El Pasado Adelante

CCE El Salvador - Curaduría de Walterio Iraheta

Fecha

Del 19 de noviembre de 2021 al 6 de febrero de 2022.

El pasado adelante

Hablar de independencia en Centroamérica desde este título extraído de una idea indígena con la que el artista guatemalteco Benvenuto Chavajay nombra una de sus obras y, además, bajo la iniciativa de la Cooperación Española, en una exhibición de arte contemporáneo suena, cuando menos, irónico. Sin embargo, la ironía suele ser un instrumento para ver la realidad con un sentido crítico.

 La idea de nuestros ancestros mayas de que el pasado es fundamental, que no se olvida ni se abandona, sino que se camina con él en el presente, como si se tratara de varios presentes, porque el futuro hacia el que se camina también será presente; no solo es poética, sino que es un pensamiento que debería guiar nuestras acciones. Para aprender del pasado, es importante tenerlo siempre presente, pero no en un sentido retórico y estático, sino dinámico y vinculante, como una guía de cambio: un elemento básico y fundamental para la construcción del presente y que debería tener una fuerte incidencia en el futuro.

Pero, al echar la mirada hacia atrás, la sensación es otra. Después de firmar la afamada Acta de Independencia (hace ya dos siglos) parece que los dinosaurios siguen ahí; dinosaurios de un futuro pluscuamperfecto. Inconscientes de una cultura y una sabiduría antigua, hemos ido de colonia en colonia, la economía sigue en manos de unos pocos criollos oligarcas, somos esclavos mentales de diferentes modelos políticos y las masas populares son mantenidas a raya a través del uso del ejército y la policía.

Entonces, hablar de independencia se vuelve ingenuo. La república es una idea abstracta. En la realidad, somos dependientes de muchísimas cosas: de nuestra ubicación geográfica, de las intenciones y objetivos de la potencia económica y militar que tenemos al lado, del medio ambiente, de nuestros sistemas políticos corruptos, de las remesas que envían los salvadoreños que viven en Estados Unidos y que sostienen la economía nacional. Dependemos, en este momento, del desarrollo de una pandemia y de un virus que nos ha recordado cuán lejos estamos de ser soberanos e independientes.

Cuando se quiere mirar este 2021 como una fecha especial y memorable, se busca la imagen de una república desarrollada con un sentido de identidad y de autonomía: un país autosuficiente. Pero, lo que se encuentra es un panorama bastante sombrío. Las actuales condiciones sociopolíticas son casi tan abusivas y avasallantes como hace dos siglos, parece que la sociedad centroamericana no ha cambiado mucho en su escancia; se puede decir que no ha evolucionado sino en lo superficial, en las formas, pero se queda con las mismas taras del pasado. Da igual que pasen 200, 500 o más años.

En esta exhibición, partiendo del Bicentenario como un detonante más que como un tema central, un grupo de artistas hace una lectura del contexto local y nos comparte su particular visión de temas de actualidad como la migración, el deterioro del medio ambiente, la violencia, los efectos de la modernidad, la deshumanización de la tecnología, la pérdida de la memoria como una metáfora del olvido histórico. Usando la gráfica como estrategia estética y revisando medios como el dibujo, la caricatura, la ilustración, el arte callejero y el muralismo; lenguajes que en el pasado han sido usados como panfletos e instrumentos de propaganda para construir y difundir un pensamiento político colonialista.

Walterio Iraheta, curador de la exposición

Artistas: Ángel Poyón | Carmen Elena Trigueros | Gerardo Gómez | Gabriel Granadino | Guillermo Maldonado | Nadie, Javier Ramírez | lía Vallejo | Mario Santizo | Melisa Guevara | Natalia Domínguez | Osvaldo Ramírez Castillo | Priscilla Monge | Rafael Díaz | Simón Vega | Victor Hugo Rivas


VISTAS GENERALES DE LA SALA DE EXPOSICIONES

 


VIDEO RECORRIDO POR LA EXPOSICIÓN

 

 


Ángel Poyón

Área de traslado. Grafito sobre papel. 70 x 50 cm

Desde hace más de medio siglo los intercambios culturales entre el Norte y el Sur se hacen más evidentes a partir de las corrientes migratorias. El fenómeno es abrumador. Sin embargo, sin la necesidad del tránsito físico de las personas, todos asistimos a la modernidad a través de la televisión con cable, las posibilidades del Internet o la proliferación de celulares. Las comunicaciones se vuelcan en una negociación abstracta y en una sola vía, a veces agresiva, a veces sutiles y siempre omnipresentes. Comunicarse desde una comunidad rural como San Juan Comalapa, a escasos 82 kilómetros de la ciudad de Guatemala, ya no es una dificultad. Tal vez aquí lo único distinto es que esos procesos de tránsito cultural se miden a través de la transformación del entorno, del paisaje natural y cotidiano: Donde antes crecían árboles ahora crecen antenas de televisión… Donde había un canasto ahora es posible encontrar una computadora.

Este proyecto, denominado Área de traslado, implica una mirada reflexiva sobre las ironías de la configuración de ese nuevo paisaje rural y comunitario, donde la demanda de variedades tecnológicas -aparatos aparentemente inocentes, electrodomésticos con alma electrónica aumenta en función de posicionamientos económicos, representaciones colectivas y narcisismos nuevos e inesperados.

Es ésta una serie de dibujos sencillos que intentan aportar algunos reflejos de ese complejo proceso de adopción de modelos de modernidad, ajenos sólo en apariencia, y su efecto en la construcción de una nueva memoria sobre mi entorno cotidiano.

―Ángel Poyón


Carmen Elena Trigueros

 


Carmen Elena Trigueros. De la serie Bordados incómodos. Hilo de algodón sobre lino y sobre manta con adorno. 29 x 25 y 55 x 37 cm aprox.

Esta serie de bordados sobre telas gastadas son elaborados a partir de imágenes tomadas de los periódicos, de noticias sobre la situación de violencia de todos los días.

Utilizo el acto de bordar, zurcir, remendar, como salida al deseo impotente de querer reparar ese tejido social roto.

―Carmen Elena Trigueros


Gabriel Granadino

Gabriel Granadino. Sin título. Acrílico sobre tela. 350 x 120 cm


Gerardo Gómez


Gerardo Gómez. Así es el vacil. Grafito sobre pared. 400 x 250 cm

La obra llamada “Así es el vacil” es un dibujo mural hecho con grafito dibujado directamente sobre la pared. Está basado en el libro “El Asco” de Horacio Castellanos Moya, retrata una cervecería, un “chupadero” como le decimos en El Salvador, como un microcosmos de la cultura salvadoreña.

―Gerardo Gómez


Guillermo Maldonado


Guillermo Maldonado. Migración. Xerografía, empapelado sobre pared. 1432 x 337 x 260 cm

Migración o demografía. A donde vamos, de donde somos, cuántos somos, que queremos.

El contexto económico social, que posibilidades tenemos de rescatarnos como personas, como seres humanos, o simplemente objetos manejados por intereses opuestos al proyecto humano.

―Guillermo Maldonado


lía Vallejo

lía Vallejo. Via Crucis. Tinta sobre papel y làpiz sobre pared. 14 dibujos de 21 x 28 cm. c/u

Primera Estación: Jesús es condenado a muerte / Segunda Estación: Cargando con la cruz. /
Tercera Estación: La primera caída. /Cuarta Estación: El encuentro con su madre./
Quinta Estación: Recibe ayuda para llevar la cruz./ Sexta Estación: Le limpian la cara. /
Séptima Estación: La segunda caída./ Octava Estación: El consuelo de las hijas./
Novena Estación: La tercera caída./ Décima Estación: Le arrancan las vestiduras. /
Undécima Estación: Es clavado en la cruz. / Duodécima Estación: La muerte en la cruz. /
Decimotercera Estación: En brazos de la madre. / Decimocuarta estación: Es sepultado.

La instalación ilustra y coloca como las prácticas del catolicismo ortodoxo funcionan como actos de transferencias de la memoria corporal y que, a través de la culpa y el castigo, forjan la devoción católica. Cada una de las históricas estaciones del vía crucis los contextualizadas escenas contemporáneas.

― lía Vallejo


Mario Santizo

Mario Santizo. Desaparecer. Tinta sobre papel opalina. 50 x 66 cm


Desaparecer. Esta es una serie de dibujos que muestran mi interacción con la ciudad, sus objetos y espacios públicos. Estos lugares los convertimos en parte de nosotros sin darnos cuenta, nos reconocemos en ellos y son parte de nosotros.

― Mario Santizo


Melisa Guevara

Melisa Guevara. TNC. Dibujo, tierra de río fronterizo y sangre sobre pared. Instalación con observaciones del ACNUR acerca de la propuesta de la Comisión Europea de una Directiva del Consejo sobre normas mínimas para los procedimientos de concesión o retirada del estatuto de refugiado [COM(2000) 578 final].

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Javier Ramírez Nadie

Nadie, Javier Ramírez. Altar. Tinta sobre papel calca sobre puertas de vidrio. Dimensiones variables.

Encuentro en las figuras de los futbolistas que se publican en los periódicos unas similitudes enormes con la iconografía religiosa que la historia del arte occidental nos ha enseñado: figuras humanas en posiciones extraordinarias que les confieren facultades extranaturales. En el tiempo, durante siglos, el diseño de este tipo de imágenes sigue siendo efectivo para provocar pasiones masivas, peligrosas.

―Javier Ramírez


Priscilla Monge

Priscilla Monge. Proyecto Monumentos. Grafito y tinta sobre papel. 30 x 50 cm

La idea vino después de visitar el museo de La Habana. Entre toda la parafernalia encontré una puerta blanca de madera. Decía Fidel escrito con sangre. Evidentemente un acto estético.

Cuando me invitaron a participar en la Bienal del 2003, decidí hacer puertas iguales a las que vi. Tenían escrito con sangre especie de máximas que no tenían nada con el supuesto heroísmo de la Revolución. Hablaban de la belleza, de la memoria, del arte.

― Priscilla Monge


Natalia Domínguez

 

Natalia Domínguez. Paisajes utópicos. Acuarela y tinta sobre papel. 43 x 33 cm

  • Sangre de árbol, Paisajes utópicos #4. Acuarela y tinta sobre papel. 43 x 33 cm
  • Las piedras que sonaron en el río, Paisajes utópicos #5. Acuarela y tinta sobre papel. 43 x 33 cm.
  • Valle de los ilustres, Paisajes utópicos #6. Acuarela y tinta sobre papel. 43 x 33 cm.
  • La ceiba que nos guardó del vuelo, Paisajes utópicos #9. Acuarela y tinta sobre papel. 43 x 33 cm.
  • Las últimas voces, Los cuchicheos de despedida. Paisajes utópicos #11. Acuarela y tinta sobre papel. 43 x 33 cm.
  • La sangre de Cristo tiene poder, Paisajes utópicos #12. Acuarela y tinta sobre papel. 43 x 33 cm.

Comencé esta serie durante el encierro de la pandemia. Estuve revisando ciertos eventos históricos que han contribuido al saqueo y la destrucción de nuestro territorio. Decidí que los paisajes tuvieran ese brillo romántico, de apariencia tradicional, pero en cada uno incluí un detalle disruptivo, violento, a través del color o la composición.

Los paisajes son UTÓPICOS, inventados; una fantasía sobre un espacio ideal, tocado apenas tocado por la mano del hombre.

― Natalia Domínguez


Osvaldo Ramírez Castillo

  • ‘Guerrillera monument’. Dibujo técnica mixta sobre mylar. 32 x 43 cm.
  • ‘Scarecrow II’. Dibujo técnica mixta sobre mylar. 38 x 36 cm
  • ‘Scarecrow II’. Dibujo técnica mixta sobre mylar. 38 x 38 cm
  • ‘Guerrillera Monument’. Dibujo técnica mixta sobre mylar. 31,75 x 43 cm
  • ‘Ruina’. Dibujo técnica mixta sobre mylar. 43 x 54.50 cm
  • ‘Ruina II’. Dibujo técnica mixta sobre mylar. 31,75 x 39 cm

Esta serie de dibujos sobre papel evocan soldados o espantapájaros que imaginan el impacto y el legado de la guerra civil Salvadoreña por medio de ideas de reconciliación o sanación.  Al sustituir las extremidades por ramas o palos también son adornados con plantas y flores que brotan de los uniformes. Yo los veo como monumentos ficticios que sobrevivieron una catástrofe, o ruinas en proceso de resurgimiento y reparación a través de la naturaleza creciente.

― Osvaldo Ramírez Castillo


Rafael Díaz


Rafael Díaz. Había una vez. Grafito sobre papel. 24 dibujos de 28 x 21 cm c/u

La prueba utilizada del test del reloj a la orden, es un método utilizado comúnmente en la práctica clínica para detectar el deterioro cognitivo y vigilar su evolución en pacientes con alteraciones neurológicas que sufren Alzheimer y otras formas de demencia. Se trata de pedirle al paciente que dibuje un reloj en tres pasos. La forma en que reproducen los dibujos determinan su grado de deterioro cognitivo y la severidad de la enfermedad.

En “Once upon a time…” (“érase una vez” en castellano), compuestas a partir de los dibujos la prueba del reloj a la orden, aplicados por el autor a 24 enfermos de Alzheimer, muestran la progresiva desconexión del paciente con la realidad cotidiana tal y como la percibe su entorno inmediato y evidencian la pérdida de facultades asociada a la enfermedad. Dos versiones de una misma historia íntima y conmovedora, la de los abuelos que olvidan y las personas que les cuidan y mantienen vivos sus recuerdos y su memoria. 

―Rafael Díaz


Simón Vega

Simón Vega. Holograma de la Estación Espacial. Colonia Centro América 2221. Tinta acrílica y collage sobre Mylar, madera, hilo de cobre. 176 x 84 x 84 cm.

En este dibujo, que deriva de la serie ‘Tropical Space Proyectos’ y que explora los efectos de la Guerra Fría en Centro América a través de parodias de las cápsulas y naves espaciales de la ‘Carrera del Espacio’, se representa la primera estación espacial en la historia, llamada ‘Salyut’ y desarrollada por el Programa Espacial Soviético desde 1971 a 1986; en este caso la apropiación de dicha nave la ha convertido en un barrio marginal tercermundista, en el que se describe, a través de dibujos inspirados en el diseño industrial, elementos de la realidad nacional, no exentos de humor.

―Simón Vega


Victor Hugo Rivas

 

Victor Hugo Rivas. Ficciones. Acrílico sobre pared. 450 x 250 cm

El mural es una apropiación de la obra pictórica del salvadoreño José Mejía Vides en la propongo reflexionar sobre la idea de “tradición” sustituyendo símbolos indígenas por el imaginario militar, evidenciando la contradicción de la matanza de 1932 y las políticas culturales. Contradicción que sigue un hilo al presente.

―Víctor Hugo Rivas

 

Dirección: Eloisa Vaello Marco

Coordinación: Mónica Mejía

Montaje: Gustavo Meza y Juan Medardo

Museografía: Antonio Romero y Walterio Iraheta

Técnico: Gustavo Meza

Diseño: Antonio Romero

Comunicaciones: Leticia Macua, Estefanía Castro y Ana Laura Villalta


BIOGRAFÍAS DE ARTISTAS

Ángel Poyón

Ángel Poyón (Comalapa, Guatemala) es un artista Kaqchikel que vive y trabaja en la ciudad de Comalapa, Guatemala. Situado en este contexto, explora los saberes ancestrales de la comunidad maya-kaqchikel. Ha expuesto Individualmente en Artbo con Galería T20 2018; Colección Poyón, El Lobi, aquí estamos Angel + Fernando Poyón, KM0.2 Puerto Rico 2017; Proyecto Poporopo, Guatemala 2016, Galería T20 Murcia España 2012, Fundación Teor Ética San José Costa Rica. 2011; Galería DesPacio en Costa Rica 2010, Arte La Fabrica 2006, Loft 5 2005 y Galería EL Attico 2002 en ciudad de Guatemala. Asimismo, ha expuesto colectivamente en Galería MUY de San Cristóbal de Las Casas Chiapas, México, WhiteBox.art Múnich, Alemania 2020, Galerie im Körnerpark Berlin, Alemania; YLA24 Mexic-Arte Museum, Austin Texas 2019;  Monuments: Poetics of Disclosure, Miami Proyect, Bogotá, Colombia; 2018; LA/LA Guatemala from 33,000 km: Contemporary Art from 1960-Present Museum of Contemporary Art Santa Barbara, California,  Aquí estamos, Km 0.2, Colección Poyón, El Lobi, Puerto Rico, La cuestión central, Banco Mundial, Washington D.C. 2017, I Bienal de Asunción Paraguay, Arco Madrid 2015 Galería T20,  The 9.99/gallery ciudad de Guatemala; Arco Madrid 2013 Galería T20, Selección Colección Sayago & Pardon arte Latinoamericano California USA 2013; ZONA MACO, Galería T20, México, ARCO Madrid España 2012 Galería T20; Scope Jacob Karpio Galería Miami Florida USA, ArtBo Jacob Karpio Galería Bogotá Colombia, entre otras.

Carmen Elena Trigueros 

Carmen Elena Trigueros tiene un profesorado en letras de la Universidad Centroamericana José Simeón Cañas. Estudió 7 años de pintura con el maestro Víctor Manuel Rodríguez Preza. Recibió talleres con Moisés Barrios.

Ha expuesto en galerías, centros culturales y museos en El Salvador, Guatemala, Costa Rica, Nicaragua, Colombia y Miami. Ha ganado premios y menciones en la Bienal de arte Paiz y en Sumarte, El Salvador.

Además de la pintura ha incursionado en otras ramas de las artes visuales, en los últimos años su trabajo se caracteriza por el uso de telas y bordados. Trabaja con imágenes de los periódicos, sobre todo temas de migración y violencia.

Forma parte de la colecciones del Centro de Arte Fundación Ortiz Gurdián, Nicaragua y del BID en Washington.

Vive y trabaja en San Salvador.

Gerardo Gómez 

Gerardo Gómez es un pintor, dibujante y músico. Nació en Santa Tecla en enero de 1989. Su formación ha sido autodidacta. Desde temprana edad le llamó la atención la pintura y el dibujo hasta que en el bachillerato decide abandonar el colegio para dedicarse de lleno al arte.

Ha permanecido fuera de las academias explorando la pintura, el dibujo y la música desarrollando una obra de carácter personal, trabaja de manera expresiva yendo de lo real a lo surrealista, con una estética punk y psicodélica. Retrata su entorno y sus particularidades, la ciudad y sus personajes o recurre a su imaginación para obras experimentales.

Trabaja con medios tradicionales como el acrílico, el aerosol, y otros para sus pinturas, en el dibujo utiliza la plumilla la tinta o el grafito, crea también collages y murales.

Ha participado en diversas exposiciones, ya sea con pintura o con dibujo, de manera individual y colectiva en El Salvador e internacionalmente.

Entre los lugares donde ha mostrado su obra estan: Art Ventures Gallery (California), Fundación Bissaya Barreto (Portugal), Galería Extra (Guatemala), MADC Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (Costa Rica), La Fábrica (El Salvador), Centro Cultural de España (El Salvador) Galería 1-2-3 (El Salvador), Museo MARTE (El Salvador).

Gabriel Granadino

Es un artista visual y muralista nacido en la intensa y hermosa república de El Salvador. Le gustan los animales, las junglas, lo dulce y lo agrio y también las historias de terror. 

Estudió diseño gráfico en la Universidad Dr. José Matías Delgado en San Salvador y luego se especializó en Ilustración Infantil en Barcelona. Su trabajo está inspirado por el caos de la ciudad y la densidad de la jungla centroamericana. Coquetea con la ambigüedad moral y mezcla un estilo ilustrativo inocente con un contenido de dientes afilados.

Es uno de los fundadores del colectivo artístico Third World Order, en el cual se desempeña como compositor y director creativo de proyectos musicales como Diente Amargo y Safari Volvo y también forma parte de la disquera independiente Feral Records.

Ha realizado diferentes murales y exposiciones en Nueva York, Barcelona, Madrid,  Guatemala y principalmente en San Salvador, donde ha tenido dos exposiciones personales “Adios Caballitos” y “Manos Frías, Corazón Caliente” en el Centro Cultural de España y “Welcome to the jungle” en la Alianza Francesa de San Salvador. También fue parte del Proyecto Monstruo en el marco de la X Bienal Centroamericana.

Guillermo Maldonado 

Estudió arte en la Universidad de San Carlos de Guatemala y diseño textil en Costa Rica. Se ha dedicado a explorar la intensidad de la xilografía. Ha participado en múltiples exposiciones colectivas e individuales en Guatemala y Estados Unidos. Entre sus técnicas preferidas está el grabado en madera.

Sus obras se encuentran en colecciones privadas de EE. UU. y Europa. Una de las carpetas de la colección de grabados Variaciones en blanco y negro pertenece a la colección de la Calcografía Nacional de Madrid, España.

Nadie, Javier Ramírez 

Artista visual, escritor y travesti. Ha ganado diversos premios de literatura, artes visuales y becas de creación artística. Tiene publicado el poemario Aun los espacios vacíos tienen aire (CCESV, 2009). Algunas de sus exposiciones de artes visuales son: Nadie, Esfoto 10, café La Rayuela (2010); Sacro, Esfoto12, MARTE (2012); INDIVIDUALISTA, La Casa Tomada (2013) y Acercamiento, MARTE (2017). Internacionalmente ha expuesto en el Museo del Barrio de Nueva York; el Instituto de Visión de Bogotá, Colombia; TEOR/ética en Costa Rica, entre otros. De 2012 a 2017 organizó FEA (Fiesta Ecléctica de las Artes) junto a Elena Salamanca. En 2019, fundó La Única galería junto a Caroline Lacey, espacio para el encuentro alrededor de las artes ubicado en el Centro Histórico de San Salvador. Nadie es Javier Ramírez.

lía Vallejo

Sin mayúscula, propiedad o academia. Es una artista y activista tortillera disidenta. A través del dibujo, la instalación, videoarte y performances, su trabajo cuestiona y problematiza la violencia estructural heteroCIStémica, racista, capitalista y colonial. Cofundadora de Colectiva La Maricada, un proyecto separatista de creación y recopilación de memoria LGBTTTIQ de Latinoamerica. Su trabajo se ha expuesto en varios países de Centroamérica, México, Estados Unidos y Europa. Actualmente estudia y trabajo en Brasil.

Mario Santizo

Realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla (ENAP) de 1999 a 2003. Trabaja con fotografía, dibujo, pintura, video, escultura, animación entre otras. 

Trabajó como asistente en los estudios de Ramón Ávila y Francisco Auyón. Fue miembro fundador del Taller Experimental de Gráfica de Guatemala (TEGG) en donde trabajó de 2007 al 2014 y así mismo fue coordinador del espacio de exhibición TRAMA del 2014 al 2017.

Se ha desempeñado como maestro de xilografía y serigrafía en varios espacios como la TEGG, ENAP, Escuela municipal de pintura y espacios independientes.

Desde el 2018 trabaja como coordinador del espacio RIVAL junto al artista Alberto Rodríguez donde se producen exposiciones no convencionales; han contado con la participación de Moisés Barrios, Jorge de León, Lourdes de la Riva, Karmadavis, Antonio Pichilla, Ines Verdugo entre otros. En el 2019 funda el espacio El Sobrante donde se llevan a cabo charlas con jóvenes artistas guatemaltecos, donde se discute la producción y ejecución de sus proyectos.

Ha participado en varias exposiciones colectivas e individuales en Guatemala, Estados Unidos, México, El Salvador, Costa Rica, Panamá, Ecuador, España, Francia, Suiza, Eslovenia e Italia.

Melisa Guevara

Miembro de The Fire Theory. Ha realizado residencias en Materia Gris; La Paz, Bolivia; Residencia de producción en Barrio Usera, Madrid (con el apoyo de Teresa Margolles); Beca Luis Javier Castro 2019, Flora Ars+Natura, Bogotá, Colombia; entre otras. Ha realizado las exposiciones individuales “Uti Possidetis Iuris”, Espacio Independiente, Usera (2020), Madrid, España. Además de las exhibiciones “No moriré del todo” (2017), “Antropometría, (2013) y “Relación de Equivalencias” (2012).

Ha participado en las exhibiciones “FISURA/INJERTO”, Materia Gris, La Paz, Bolivia; STONE’S THROW, Arte de Sanación, Arte de Resistencia. The Anderson, Virginia Commonwealth University. Richmond, USA;, Perspectivas Latinas #18. Städtischen Galerie Wolfsburg, Alemania; Re-contrucción, Centro Cultural de España. San Salvador, El Salvador; Arte SUR. Palais de Tokyo, Paris, Francia; ICE, Open Source Gallery, Nueva York, Estados Unidos; “Dios, Unión, Libertad” Prosjektrom Normanns. Stavenger, Noruega; además de otras exhibiciones en Colombia, Suiza, Panamá, Guatemala, México, entre otros.

Natalia Domínguez

Natalia Domínguez (El Salvador) estudió licenciatura en artes visuales y multimedia en la Escuela Nacional de pintura, escultura y grabado “La Esmeralda” en Ciudad de México. Actualmente inscrita en Diplomado en Investigación Crítica y Transdisciplinar, dictado por Global Center for Advance Studies GCAS-LA 2020 -2021. Participa en la convocatoria Residencias Artísticas Regionales de Producción Curada en Artes Visuales y Nuevos Medios, co-organizada con CCE de CR. 

Dirige ENSAYO Y ERROR, espacio de residencias regionales. Su trabajo ha sido mostrado individualmente en Museo Marte; Sala Nacional de Exposiciones Salarrué; Área, Lugar de Proyectos en Puerto Rico, entre otras. Ha participado en muestras colectivas en Centroamérica, Taiwán, España, México, Cuba y Estados Unidos.

Su obra ha sido adquirida por Museo Reina Sofía, España; MOLAA Museo de Arte Latinoamericano, Long Beach, USA; y colecciones privadas dentro y fuera de El Salvador. Su trabajo transita entre lo biográfico y tradiciones salvadoreñas, con las que representa metáforas sobre problemáticas humanas. Su trabajo es una búsqueda por sanar y transformar la realidad en una fantasía irónica.

Osvaldo Ramírez Castillo 

Obtuvo su diploma en el Ontario College of Artand Design de Toronto y su maestría en Concordia University en Montréal, Canadá.Ha expuesto en todo Canadá y a nivel internacional en sitios como The International Print Center, Nueva York, USA (2008), The IDB Cultural Center en Washington, DC. (2009), Centre MAI (Montréal Arts-Interculturels) en Montréal (2012), Halle Saint Pierre en París, Francia (2019), El Museo de Arte de El Salvador (2020), y la Vancouver Art Gallery, Canadá (2021).

Importantes premios incluyen la beca de la Fundación Krasner Pollock en 2010, el premio Victor Martyn Lynch para un artista visual a mitad de carrera en Canadá en 2011 y el premio Artist Studio Program de la ciudad de Vancouver en 2015. Su obra forma parte de colecciones que incluyen The Vancouver Art Gallery, Le Musée des beaux- arts de Montréal, El Museo Mexic-Arte en Austin, Texas y colecciones privadas en los Estados Unidos, Canada, Alemania y Bélgica entre otras.

Priscilla Monge

Priscilla Monge (Costa Rica) artista conceptual que marca pauta en el desarrollo del conceptualismo en toda Centroamérica.  Su obra empieza a divulgarse en los años 90 en ferias y bienales como Valparaíso y Cuenca hasta dar el salto a La Bienal de Venecia, Bienal de Sao Paulo, Bienal de Pontevedra. Bienal de La Habana, Bienal de Liverpool y Bienal EVA en Irlanda. Incluida en hitos curatoriales como Versiones del Sur/Pervirtiendo el minimalismo en el Reina Sofía, El Viaje Real en MOMA PS1 y Global Feminism en el Brooklyn Museum. Es la segunda artista no Mexicana en tener una exhibición individual en el Museo Rufino Tamayo.

Despierta la atención de especialistas que escriben sobre ella para Art in America (USA), Revista Lapiz (España), Polyester (México), Frame (Austria), Bomb (NYC) entre otras publicaciones, además de portadas en Art Nexus y Atlántica. La lista de autores incluye a Gerardo Mosquera, Harald Szeeman, José Roca, Hans Herzog, y Cuahtemoc Medina.

Está reseñada en selecciones como Fresh Cream, Políticas de la Diferencia, Imagen-Palabra y 100 Artistas Latinoamericanos. Algunas de las colecciones públicas que la incluyen son: Tate Gallery London, Museo Reina Sofia, Museum of Fine Arts Taipei y Centro de Arte Contemporáneo de Sevilla.

Rafael Díaz

Doctor en Medicina Interna y Cirugía General por la Universidad Evangélica de El Salvador. Autodidacta en Arte, desarrolla su obra más temprana en el taller del pintor salvadoreño César Menéndez, donde compagina la pintura con sus estudios de Medicina primero, y más tarde con el ejercicio de su carrera como médico, faceta que influye poderosamente en su producción artística, en la que la vivencia humana de la enfermedad y la muerte son temas recurrentes. Ya en España, en 2002 comienza a explorar la fotografía, otros medios y documentos científicos, como vehículo para trasladar su particular visión de la medicina y retratar la realidad social de los enfermos. 

En su práctica clínica toma consciencia de los distintos canales de comunicación que se desarrollan a través del vínculo médico/paciente.  Mediante este planteamiento, el conocimiento científico y la práctica artística interactúan para construir un nuevo lenguaje visual híbrido. Una de las consecuencias principales resultantes es la idea de que el trabajo de Rafael Díaz comparte autoría con sus pacientes. Juntos, crean documentos científicos con información relacionada con diagnósticos y tratamientos o generan una línea de pensamiento crítico entre la enfermedad, la ética y la sociedad, con una potente carga visual, donde la naturaleza humana se muestra en su máxima vulnerabilidad.

Simón Vega

Crea dibujos, objetos, instalaciones esculturales y happenings inspirados en mercados populares, en la arquitectura informal y en los puestos de venta ambulantes que se encuentran en las calles y playas de Centro América. Estos trabajos, ensamblados con materiales y métodos de construcción usados en la arquitectura informal, son parodias de pirámides mesoamericanas, edificios Modernistas, sistemas de vigilancia urbanos y sofisticadas y futuristas cápsulas espaciales desarrolladas por la NASA Y el Programa Espacial Soviético durante la ‘Carrera Espacial’, creando una irónica y humorística fusión entre primer y tercer mundo, a la vez que comenta acerca de los efectos de la Guerra Fría en El Salvador contemporáneo. Nacido en San Salvador, El Salvador, Simón Vega obtuvo una Licenciatura en Artes Plásticas por la Universidad Veracruzana en México (2000) y una Maestría en Teoría y Práctica de las Artes Contemporáneas por la Universidad Complutense de Madrid (2006). Ha presentado su trabajo extensamente en Europa, Estados Unidos, Centro y Sud America y Japón, incluyendo la 55a Bienal de Venecia en Italia (2013), la 9a Bienal de la Habana, Cuba (2006), en el festival musical Coachella (2018) en Indio, California, en el Centre Pompidou, París (2019), en el Bronx Museum, NY (2019) y recientemente en la Trienal de Oku Noto, Japón (2021). Vive en La Libertad, El Salvador.

Víctor Hugo Rivas 

Licenciado en Artes plásticas con especialidad en Diseño Gráfico por la Universidad de El Salvador 2010.   2021 postgrado en Arteterapia y Arte Comunitario en METÁFORA Centre d´estudis de d´arteterápia, Barcelona, España, donde actualmente cursa el Máster en Arteterapia Relacional.  

Ha expuesto individual y colectivamente desde 2008: Centro Cultural de Arte Latinoamericano Piñatas Art Studio, San Francisco EU. SUMARTE Subasta de Arte Latinoamericano Museo MARTE de El Salvador, Teatro Luis Poma y Embajada de México en El Salvador. Fundación Rozas Botrán y Juannio en Guatemala. Representado en El Salvador por Galería 123 y en Estados Unidos por Saltfine Art Gallery, Califormia. Ha exhibido individualmente en Casa del Joven Creador de Las Tunas, Cuba.

Reconocimientos:  1° y 2° Lugar en Palmarés de pintura Philip Morris 2009 y 2010. 1° lugar en el Certamen 30 Aniversario del Martirio de Monseñor Romero, Correos de El Salvador 2010, Mención de Honor en Arte Joven Centro Cultural de España en El Salvador 2008. Mención de Honor Subasta de Arte Latinoamericano Museo MARTE 2013. Su obra forma parte de la Colección Nacional de El Salvador, Pinacoteca Roque Dálton UES, Pinacoteca Universidad Don Bosco ES, y colecciones privadas en Estados Unidos, España, Suecia, Centro y Sur América.


BIOGRAFÍAS DE CURADORXS

Walterio Irahueta 

Estudió Artes Gráficas en la Universidad Dr. José Matías Delgado de El Salvador y en la Escuela de Artes Visuales La Esmeralda, en México, D.F.

Como artista ha participado en la Bienal de Valencia – São Paulo 2008, 10a Bienal de La Habana 2009, Bienal de Pontevedra, España 2010 y la 54 Bienal de Venecia, Italia 2011 entre otras.

Ha ganado el primer lugar en la Bienal de Arte Paiz de El Salvador en 2007; una Mención Honorífica en el concurso de Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca, España 2004; el primer premio en la Bienal de Arte Contemporáneo del Istmo Centroamericano, en 1998, entre otros.

Hasta el momento ha realizado más de 50 exhibiciones personales y ha participado en más de 250 colectivas. Su trabajo se encuentra en la colección del Museo Reyna Sofía en Madrid, en el MOLA de Los Ángeles, en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica, MADC, en la colección del Banco Interamericano de Desarrollo, BID en Washington, en el Museo de Arte de El Salvador, MARTE y la Colección SOLO de Madrid, entre otras.

Como curador ha creado y coordinado varios proyectos como la Bienal de Dibujo, el Festival de Fotografía Contemporánea ESFOTO y Arquitectura de remesas para la cooperación española en Centroamérica entre otros. Vive y trabaja en San Salvador.

Más actividades

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