El Pasado Adelante

Casa de América, Madrid (España) - Curaduría de Ricardo Ramón Jarne y Tamara Díaz Bringas

Fecha

Del 18 de noviembre de 2021 al 31 de marzo de 2022.


El pasado adelante

“Así como en 1820 Atanasio Tzul y Lukas Akiral lucharon para defendernos y para que no pagáramos más impuestos, por estos mismos motivos mataron hoy a nuestros compañeros”. Se cuenta que la frase se escuchó una noche de octubre de 2012, durante el velorio de seis comunitarios de los 48 cantones de Totonicapán masacrados en una marcha en oposición al proyecto de reformas que pretendía desconocer formas de gobernabilidad y tierras comunales indígenas, y que se articuló con otras protestas nacionales como el aumento del costo de la energía eléctrica. La rebelión indígena -una de tantas- que se tornó presente esa noche de 2012, había ocurrido meses antes de las independencias centroamericanas cuyo bicentenario es conmemorado en 2021. En julio de este mismo año, el artista maya Tz´utujil´ Benvenuto Chavajay vino a reanudar aquel episodio en la acción El retorno de la silla: la silla de Atanasio Tzul que ha sido restituida a las autoridades indígenas de los 48 Cantones desde el Museo Nacional de Historia de Guatemala.

“El pasado está delante”, insiste Chavajay en referencia al modo en que él y su cultura entienden el pasado y la relación con los ancestros. La frase sirve de inspiración para el título de esta exposición centroamericana, atenta a las diversas temporalidades que conforman la región. Presentes no sincrónicos en los que el hip hop y lo maya pueden darse cita, como en la performance ritual de Guadalupe Maravilla y su experiencia de diáspora desde la guerra civil salvadoreña que arrasó los ochenta, o en los que tecnologías de la carrera espacial de la Guerra Fría pueden encontrarse con arquitecturas y técnicas de supervivencia en los trópicos, como en los dibujos de Simón Vega. 

Ficciones, invención o imaginación política, pero también formas concretas de sostener la vida en común. De ahí la recurrencia de materiales (o sus representaciones) como la tierra, el agua, las semillas, o de fluidos como la sangre o la leche. Con barro trabaja Rolando Castellón desde 1981, según una ética y ecología que pone en relación con culturas amerindias, acompañando un así llamado Manifiesto post-colombino: “Barro es la materia que mejor ejemplifica la resistencia de las razas oprimidas en su lucha por la supervivencia”, dice el texto. Y en un poema de Rosa Chávez se lee: “Sudo/ como una olla de barro/ no estoy curada/ me derramo”. La tierra es materia con la que trabajan varios artistas y la base de prácticas ancestrales como la geofagia que Adán Vallecillo ha investigado en Haití. Otras formas o imaginarios de sanación se convocan en esta muestra, desde ciertos rituales, narraciones o palabras, hasta algunos silencios o fugas. En ausencia del término “arte” en su lengua, Benvenuto Chavajay entiende su hacer como una suerte de “sanador” de la herida colonial. 

La tierra, como argumenta la investigadora maya k’iche’ Gladys Tzul Tzul, es la clave de la política comunal que hace posible la vida cotidiana. Para esas comunidades que siguen encarando extractivismo y despojo, el pasado no ha sido nunca algo fijo, inalterable, costumbrista. El pasado adelante interroga la colonialidad y su persistencia en la desigual atribución de valor a ciertos saberes, modos de organización, de relación o espiritualidad. En las obras y en sus tensiones toman forma, o deseo, prácticas no extractivas de relación con la naturaleza y con otros seres vivos. Se escuchan la interdependencia, la vulnerabilidad, los entrelazamientos de vidas y tiempos. Si la colonialidad persiste, también sus interrupciones. Una rebelión imaginada en 2012 ocurrirá en 1820. El pasado adelante. Un pasado que está siempre en movimiento, como lo está el porvenir.

Ricardo Ramón Jarne y Tamara Díaz Bringas, curadorxs de la exposición

Artistas: Adán Vallecillo | Ángel Poyón | Benvenuto Chavajay | Christian Salablanca | Donna Conlon | Guadalupe Maravilla | Héctor Burke | Lucía Madriz | Natalia Domínguez | Patricia Belli | Priscilla Monge | Rolando Castellón | Simón Vega


 

Panorámicas de la sala de exposición
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Adán Vallecillo

Adan Vallecillo. 2015. Montículo 1, 2, 3, 4 de la serie Earthworks. Impresiones sobre papel algodón de 250 gramos, copia de exposición. 86 x 115 cm c/u. Cortesía del artista.

Serie de fotografías correspondiente a la documentación del proceso de producción de galletas de tierra o bonbons terres en la comunidad de Hinche, Haití, en el año 2015, como parte de la investigación Earthworks. Una referencia clave ha sido la geofagia como práctica de resistencia cultural que sin embargo es denostada por el pseudo-humanismo occidental, el cual la presenta como consecuencia del hambre y la pobreza. En contraste con tal visión paternalista, ese proceso de producción y consumo es sumamente complejo, y está arraigado en rituales ancestrales que remiten a profundas conexiones espirituales con el territorio haitiano. Los cobertores que aparecen en las fotografías son utilizados para añejar el barro con el que se hacen las galletas y provienen de vallas publicitarias de distintas agencias internacionales de cooperación, muy abundantes en esa parte de la isla La Española.

―Adán Valecillo


Angél Poyón

Ángel Poyón. 2015. La encomienda. Impresiones sobre papel de algodón. Copia de exposición. 70 x 46,5 cm y 42 x 29,7 cm. Cortesía del artista

La forma, el peso de una silla “civilizada” perteneciente a una tradición europea sostenida, acarreada sobre las espaldas de los pobres. Una imagen que tiene ecos en la evangelización católica en nuestras tierras y en el trabajo obligatorio relacionado con las leyes impuestas por todos los imperios sobre los pueblos colonizados. También una evocación de la actitud aún vigente de los estados actuales frente a los grupos indígenas.

―Ángel Poyón


Benvenuto Chavajay

Benvenuto Chavajay. 2016. Ixtetelá . Tela bordada. 15,24 x 25,4 cm c/u y papel libre de ácido. 29,7 x 42 cm.
Cortesía del artista

 

Benvenuto Chavajay. 2020-2021. El retorno de la silla. Papel libre de ácido sobre dibond. Copia de exposición. 105 x 70 cm.
Cortesía del artista

En el Altiplano guatemalteco Atanasio Tzul lidera, junto a Felipa Tzoc y Lucas Aguilar, la rebelión contra la corona española. Una rebelión que surge en Totonicapán como motín en rebeldía al no pagar tributos a la autoridad colonial española. El 12 de julio de 1820 son proclamados los ciudadanos Atanasio Tzul como Rey, Felipa Tzoc, Reyna y Lukas Akiral, Presidente, en un movimiento vital dado el triunfo en declarar independiente y libre de la corona a los pueblos indígenas del Altiplano guatemalteco. El reinado duró apenas 29 días, truncado e invadido por los militares dirigidos por la corona española.

Este acontecimiento, la rebelión de Totonicapán, fue la primera independencia indígena por indígenas de indígenas en el territorio Altiplano guatemalteco, un año antes de la Independencia de los criollos y mestizos el 15 de septiembre de 1821.

En el Museo Nacional de Historia de Guatemala se encontraba hasta hace poco la silla de Atanasio Tzul, objeto testigo de los 29 días que duró aquel reinado. Silla de madera, tallada y ensamblada, de origen anónimo popular, que mide 130 x 55 x 44 cm.

Las diferentes capas y etapas que adolecen los pueblos originarios son la lógica de la colonialidad y la retórica de la modernidad, con los componentes de la herida colonial y el lado oscuro de la modernidad.

La propuesta que impulsé ha sido suplicar a las autoridades correspondientes a devolver, regresar, retornar, repatriar la “Silla” de Atanasio Tzul a su pueblo natal, en San Miguel Totonicapán. El gesto ritual performático es tatuar la imagen de esa silla en la espalda del ciudadano artista Benvenuto Chavajay Ixtetelá. Luego, proponer a las autoridades correspondientes el permiso de trasladar la silla en caravana desde la ciudad de Guatemala al pueblo de Totonicapán. Repatriar la silla como objeto patrimonial ancestral de carácter político, emancipatorio, independentista, como un acto revolucionario y sanador. Sanar desde los pueblos a través del arte. El arte transforma mentalidades y purifica realidades.

“El retorno de la silla” es un gesto y una manera de desempolvar la historia y activar la memoria, darnos aquí y ahora una segunda oportunidad en la historia, a través de la ritualidad del arte. El renombrar y subrayar los símbolos es una manera de sanar y hacer justicia a la memoria y a la dignidad ancestral, de reconocer y situar nuevamente en el horizonte de la historia, una historia herida y negada. 200 años de silencio y olvidos expresados en comillas ´´-´´, paréntesis (-), interrogaciones ¿-? Es hora de transpirar, jalar aire en profundidad y soplar las comillas, tirar los paréntesis. Es el momento de retornar las almas, que la nostalgia sea la esperanza y el pasado el horizonte del futuro. Devolver la dignidad al pueblo. Tener presente el pasado adelante.

―Benvenuto Chavajay

El 12 de julio de 2021, el gobierno y el estado de Guatemala hicieron entrega de la silla a los 48 Cantones de Totonicapán, para su traslado al pueblo de origen de Atanasio Tzul.


Christian Salablanca

Christian Salablanca. 2020. Geometría del centro. Instalación. Video 14’; 14 esculturas de 18 x 18,5 cm c/u; 14 dibujos de 75 x 50 cm c/u. Thyssen Bornemisza Art Contemporary Collection. Encargado y producido por FLORA ars+natura and Thyssen-Bornemisza Art. Foto por Roberto Ruiz.

Geometría del centro (2020) nace de un viaje de estudio que Salablanca realizó en 2020 en compañía de cinco artistas y del equipo de FLORA ars+natura a la Sierra Nevada de Santa Marta, una cordillera del norte de Colombia habitada por los pueblos kogui, arhuaco, wiwa y kankuamo. El grupo visitó Terunna –una antigua población ceremonial también conocida como Ciudad Perdida–, un lugar espiritual remoto y único formado por un conjunto de terrazas de piedra y plazas circulares. Salablanca quedó asombrado ante el parecido del lugar con los montículos y calzadas del Monumento Nacional Guayabo, un gran yacimiento arqueológico del centro de Costa Rica que se mantiene en gran parte inexplorado.

Concebida como un “videopoema” que integra diseño de audio del artista sonoro Daniel Lara Ballesteros y fragmentos del texto Geometría del centro, la obra explora la relación formal y conceptual entre esos dos lugares de la antigüedad, registrando la creación de una serie de dibujos, unas inscripciones en papel creadas con herramientas de carbón cuyas formas nos hacen pensar en columnas o en instrumentos de medición, como las plomadas.

―Christian Salablanca


Donna Conlon

Donna Conlon. 2019. From the ashes (De las cenizas). Video HD con sonido. 2’56’’. Cortesía de la artista

Ver video aquí: Vimeo

Volver no es necesario; entender sí. La vida es frágil, el balance es delicado, y las interconexiones entre personas y organismos son innegables. Necesitábamos recordar que no

sujetamos las riendas del mundo y el lugar precario que ocupamos en él ¿Podremos despertarnos de la ilusión nublada, despejar nuestra vista, y permitirnos ver?

―Donna Conlon


Guadalupe Maravilla

Guadalupe Maravilla. 2009-2018. Ghettoblaster Headdress. Técnica mixta (escultura). 203,2 x 101,6 x 119,3 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Creo nuevas mitologías que toman la forma de rituales reales y ficticios basados ​​en mis propias experiencias vividas, incluido el trauma del cruce de fronteras y mi propia batalla contra el cáncer. Exploro las consecuencias neurológicas de la migración a través de la interpretación y la creación de objetos, y he examinado cómo se manifiesta el trauma genético en el cuerpo durante generaciones. A lo largo de las muchas enseñanzas que he experimentado sobre mi proceso de curación, una noción que seguía volviendo era que, si uno se limpia adecuadamente, sanará siete generaciones atrás y siete generaciones adelante.

―Guadalupe Maravilla

 


Héctor Burke

Héctor Burke. s/f. Conjunto de 18 dibujos. Mixta sobre papel. 28 x 22 cm c/u. Cortesía de Colección Valdemarín, Madrid

Héctor Burke, sus obras plásticas muy relacionadas con su poesía expresan diferentes sentimientos contrapuestos, ironía y drama, sexualidad y castidad, frialdad y expresividad, conceptualismo y derroche, no son poesías visuales al uso, pero si tienen referentes literarios concretos que el propio artista incluye en la misma composición o en el reverso de sus obras, por eso siempre es recomendable ver sus cuadros por delante y por detrás. Sus títulos más que una señalización o diferenciación evidencian una intención que forma parte de un todo.

“S/f”, es un conjunto de 18 mixtas sobre papel. Creadas aisladamente forman un conjunto sorpresivo, donde se pueden establecer vinculaciones y relaciones. Son versos que componen un poema sorpresivo. Según el crítico Luis Fernando Quiros:” de fuerte carga autorreferencial y signos de las tensiones de la psique persistentes en la urbe, escenarios que afectan al individuo hipersensible como es él”.

Esta serie sin principio ni fin tiene la particularidad de ofrecer un relato introspectivo, son apuntes de un diario artístico y vital, expresado con todo tipo de técnicas y materiales. Burke trabaja con fluidez, independientemente del medio.

―Ricardo Ramón Jarne

 

Héctor Burke. 2012. Historia natural. Acrílico sobre tela. 68 x 50 cm. Cortesía de Colección Valdemarín, Madrid

En Historia natural, (2012), nos presenta una esfera, embrión o globo terráqueo verde que contiene cartografías o signos de un lenguaje desconocido en negro, centrando una composición rodeada de magma rojo, en un fondo ocre naranja, es una obra que trasmite calor, fluctuación, vida en peligro; estamos ante una visión microscópica celular donde algunos elementos quieren salirse del núcleo o de una visión macroscópica donde un mundo se ve amenazado por un aumento extremo de la temperatura. (¿cambio climático?)

―Ricardo Ramón Jarne

 

Héctor Burke. 2010. ¿Me tiene miedo? Acrílico sobre tela. 66 x 50 cm. Cortesía de Colección Valdemarín, Madrid

En Me tiene miedo, una forma irregular flota sobre un fondo azul aguado, forma que en la exposición se relaciona con los objetos encontrados intervenidos de Rolando Castellòn. SE produce un proceso de oxidación en este objeto que da sensación de ser un proceso en desarrollo, que no se acaba en la pintura que sigue en una dimensión real. En la pintura de Burke existen estos conceptos de tiempo detenido y tiempo en desarrollo, de un presente objetual rabiosamente instantáneo y aleatorio y por otro como ejemplifican estas dos pinturas de un presente continuo, que va más allá de la representación estancada.

―Ricardo Ramón Jarne


Lucía Madriz

Lucía Madriz. 2021. Tres hermanas. Instalación hecha con maíz verde, maíz amarillo, frijoles rojos, frijoles negros, frijoles blancos, semillas de calabaza y tierra. 300 cm de diámetro. Cortesía de la artista

Desde épocas prehispánicas, en Mesoamérica, existe la milpa y en ella la forma de cultivo llamado ‟Las tres hermanas″. Este consiste en sembrar tres productos en conjunto: el maíz, la calabaza (u otra planta de la misma familia) y los frijoles. El maíz funciona como una estructura para que los frijoles se enrollen y crezcan, los frijoles nutren el suelo con nitrógeno que es esencial para las plantas y la calabaza cubre el suelo con sus hojas evitando la evaporación del agua. En esta época de cambio climático es importante proteger la biodiversidad de cultivos y utilizar semillas que estén en un proceso de adaptación constante, expuestas a las condiciones del medio ambiente y sus cambios. Las semillas genéticamente modificadas de la agricultura industrial han sido modificadas para resistir agroquímicos como el glifosato y lejos de ser una solución contaminan la tierra, los mantos acuíferos y afectan a los ecosistemas. La agricultura no es solo una actividad necesaria para la sobrevivencia, sino también un legado cultural de formas de hacer y de ver el mundo, una parte integral de la identidad y lo que somos.

―Lucía Madriz


Natalia Domínguez

Natalia Domínguez. 2010-2019. Serie Estigma: La lotería. Impresión sobre cartón. Dimensiones variables. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Estigma, el juego de los prejuicios y estereotipos, es un proyecto educativo y reflexivo que revisa algunas problemáticas sociales en la historia salvadoreña reciente.

Los personajes estigmatizados, víctimas de la injusticia social, han sido retratados con un dibujo gestual, que se transforma en un perverso juego de lotería. El sentir popular del juego es significativo por tratarse, en su mayoría, de personajes conocidos por la población.  Otro de los pilares del proyecto, fue la necesidad de educar al público sobre las violencias del lenguaje, a través del cual etiquetamos la diferencia, con intolerancia. Por ello, cada uno de estos personajes fue acompañado de su ficha técnica / historia personal.

Estigma, reúne apenas 54 casos de violencia y discriminación. Sé que hay más, por ello, la revisión, después de 10 años continúa.

―Natalia Domínguez


Patricia Belli

Patricia Belli. 2019. Cielo de leche. Escultura en textil. 300 x 400 cm. Cortesía de Colección A2_Antonio Jiménez y Álvaro Marimón

Trabajo a menudo a partir del material y en esos casos los significados surgen poniendo atención a lo que sugieren las formas. Cielo de leche es la repetición de un volumen con forma de embudo en la suavidad de una tela. Esta tela ubérrima, colgada desde arriba, sugiere una gran ubre de ribetes mitológicos, acerca de la madre-cielo que nos cobija, nos consuela y amamanta, colectivamente.

―Patricia Belli


Priscilla Monge

Priscilla Monge. 2003. El deseo es cosa de vida o muerte (de la serie Es cosa de vida o muerte). Fotografía en papel siliconado-metalizado sobre aluminio. 200 x 73 cm. Cortesía de la artista y de la Galería Juana de Aizpuru, Madrid


Es común pensar que la fotografía es la realidad misma, o al menos su copia fiel y exacta. Este credo ilusorio en su esencia es resultado de un mecanismo inherente a la conciencia habitual que tiende a sustituir lo real por su apariencia, lo obvio por sus fundamentos. La obra de Monge no habla desde la fotografía, sino que se vale de esta como interlocutora. Es una reincidente en el coqueteo con lenguajes técnicos y artísticos que regularmente no ejecuta, desvirtuando así concepciones tan ortodoxas como la autoría o la propia obra de arte. Sin embargo, este affaire, que comenzó bajo laestricta condición documental, ha ido desplazándose engañosamente en su uso. Esa connotación, que imprime veracidad a la construcción de la historia, Monge la ha venido usufructuando para convertir estas imágenes en conflictos éticos, culturales e históricos. Perversamente, retrata años después la memoria, la deconstruye y, a la mejor tradición literaria desde Borges a Eco, la ficciona. 

Estructurada como un libro de capítulos autónomos, esboza un complejo hilo de Ariadna que va dejando indicios sobre los cuales el espectador conduce su propio destino. La grandilocuencia que le imprime a las frases, escritas en un material al que sería redundante llamar visceral, desarticula el lugar primero, desestabiliza la referencia y, con ella, la verdad y la historia.

―Clara Astiasarán

 

Priscilla Monge. 2003. La memoria es cosa de vida o muerte (de la serie Es cosa de vida o muerte). Fotografía en papel siliconado-metalizado sobre aluminio. 200 x 73 cm. Cortesía de la artista y de la Galería Juana de Aizpuru, Madrid

En la zona más antigua de La Habana se encuentra la otrora casa presidencial, hoy Museo de la Revolución. Se conserva allí la puerta que aquel joven grabara con el nombre del líder de la Revolución. Muy cerca, tiene lugar la Bienal de La Habana, evento que invita nuevamente a la artista Priscilla Monge (Costa Rica, 1968). La artista, en su cualidad de turista, se convierte en espectadora activa del espacio visual. De este modo crea nuevas estrategias de significación, con la potestad de dirimir la historia desde la no implicación. Desde ese lugar, Monge enfrentó en La Habana esa (otra)memoria.

―Clara Astiasarán

Es común pensar que la fotografía es la realidad misma, o al menos su copia fiel y exacta. Este credo ilusorio en su esencia es resultado de un mecanismo inherente a la conciencia habitual que tiende a sustituir lo real por su apariencia, lo obvio por sus fundamentos. La obra de Monge no habla desde la fotografía sino que se vale de esta como interlocutora. Es una reincidente en el coqueteo con lenguajes técnicos y artísticos que regularmente no ejecuta, desvirtuando así concepciones tan ortodoxas como la autoría o la propia obra de arte. Sin embargo, este affaire, que comenzó bajo laestricta condición documental, ha ido desplazándose engañosamente en su uso. Esa connotación, que imprime veracidad a la construcción de la historia, Monge la ha venido usufructuando para convertir estas imágenes en conflictos éticos, culturales e históricos. Perversamente, retrata años después la memoria, la deconstruye y, a la mejor tradición literaria desde Borges a Eco, la ficciona. 

Estructurada como un libro de capítulos autónomos, esboza un complejo hilo de Ariadna que va dejando indicios sobre los cuales el espectador conduce su propio destino. La grandilocuencia que le imprime a las frases, escritas en un material al que sería redundante llamar visceral, desarticula el lugar primero, desestabiliza la referencia y, con ella, la verdad y la historia.

―Clara Astasiarán


Rolando Castellón

Rolando Castellón. 1981 – 2021. Sin título (de la serie Objetos Encontrados Post-Colombinos). Técnica mixta. Cortesía de Colección Baldearán, Madrid

“Comencé la serie de objetos encontrados postcolombinos como una metáfora de resiliencia. La tierra es uno de los elementos más viejos del sistema. Comparo su fuerza con la filosofía de resistencia de las culturas antiguas, ese ADN que llevamos dentro y que nunca desaparecerá. Mis objetos están realizados con materiales efímeros, pero si sobreviven, como preconiza K. Baker en su artículo de 1992, se convertirán en reliquias.”

―Rolando Castellón


Simón Vega

Simón Vega. 2015-2018. Third world space modules blueprints. Acrílico sobre tela de algodón. 203 x 240 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Simón Vega, como Rolando Castellón también es un artista recolector, nómada, en el mismo sentido que nuestros ancestros que eran cazadores recolectores y vivián de acuerdo con la naturaleza, libres y sin apenas jerarquías ni demandas sociales; al contrario que el artista sedentario, autogenerado, y autosuficiente que como sus ancestros se ve posicionado en un mundo establecido por escalas sociales, deberes y obligaciones y muchas veces vive una relaciones de sumisión con el poder. Artistas paleolíticos o artistas mesolíticos de la contemporaneidad. Simón Vega con esos objetos encontrados, precarios que provienen de las villas pobres de las provisionales casas prefabricadas, de un mundo perecedero les da transcendencia tecnológica, se mete en la carrera espacial internacional construyendo su propia versión de un satélite titulada Third World Sputnik (Sputnik del Tercer Mundo), en vez de la NASA es la SIVE. Esta obra hace que me venga a la memoria una novela primeriza de Sergio Bizzio, titulada Rabía en la que una nave intergaláctica cae a la selva, el pueblo indígena que la habita, la encuentra y se mete dentro, no observan ningún signo de vida, cuando toda la tribu esta dentro, uno de ellos se apoya en un botón, e inmediatamente se cierran las puertas y la nave sale volando hacia el infinito con toda la tribu dentro. Estas naves de Simón Vega que unen dos mundos el real de la sociedad salvadoreña con la utopía tecnologica, nos pueden conectar con las películas de marcianos y astronautas de serie B o con proyectos como Los afronautas, de Cristina De Middel donde apoyada en una historia real, en un sueño olvidado realiza una sorprendente propuesta fotográfica muy respetuosa con el espíritu de superación de un visionario africano. es ecologista, recicla le da una segunda vida a las cosas, cumple con los ODS.

“El resultado es una obra artística que atraviesa zonas de tiempo, aparece reconocible, pero se encuentra, de hecho, alejada de la realidad y tiene como propósito hacer colapsar las fronteras entre lo que constituye el mundo ‘desarrollado’ y el mundo ‘en desarrollo’ al sugerir un espacio para el progreso práctico en un gesto de solidaridad utópica”.

―Ricardo Ramón Jarne


Diseño expositivo y asistencia curatorial: Eduardo Galvagni Veigl

Coordinación: Elvira Cámara López | Álvaro Callejo Roales | Céline Rodríguez Limón

Diseño y concepto gráfico: José Alberto Hernández

Producción y montaje expositivo: Artec Exposiciones S.L

Equipos audiovisuales: Casa de América | Creamos Technology

Transporte: CLM Logistics S.L | SIT Spain

Agradecimientos: Museo Reina Sofía Foundation (USA) | Fundación Museo Reina Sofía | Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Collection | Galería Juana de Aizpuru, Madrid | Colección A₂_ Antonio Jiménez y Álvaro Marimón | Colección Valdemarín, Madrid


BIOGRAFÍAS DE ARTISTAS

Adán Vallecillo

Adán Vallecillo (Danlí, Honduras) realizó estudios de arte y sociología en Honduras y Puerto Rico. La metodología de su práctica artística es poliédrica. Se nutre de la realización de proyectos de investigación in situ que combinan sociología y visualidad en contextos hiperdegradados. Desde una apuesta socio-estética, Vallecillo pone en evidencia una serie de estrategias que potencian y resignifican el valor de uso y de cambio de los materiales, acciones y objetos utilizados en sus obras. Cuenta con exhibiciones individuales y colectivas en América, Asia y Europa. Destaca su participación en Bienales internacionales como la Bienal de Cuenca, 2021, FEMSA, México 2020, Mercosur 2015, Motevideo 2014 Venecia 2011, Centroamericana 2010 La Habana 2009, así como varios reconocimientos incluidos: Beca Artista de Mediana Carrera, CIFO, 2020, Residencias como Flora Ars+natura Bogotá 2018, LARA Panamá 2017, Beta Local, San Juan 2016, Premio mundial illy SustainArt Venecia 2013, entre otros. Varias de sus obras forman parte de colecciones como: Phoenix Art Museum, Arizona, Bronx Museum, Nueva York, Daros Latin-américa, Zurich, CIFO, Miami, Florida, Sayago y Pardón, Los Ángeles, C.A, Teorética, San José, Costa Rica, Colección Patricia Phelps de Cisneros, Nueva York-Caracas, Museo de Arte Latinoamericano MoLaa, California, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica, Saxo Bank, Dinamarca, LARA, Singapur, entre otras.

Ángel Poyón

Ángel Poyón (Comalapa, Guatemala) es un artista Kaqchikel que vive y trabaja en la ciudad de Comalapa, Guatemala. Situado en este contexto, explora los saberes ancestrales de la comunidad maya-kaqchikel. Ha expuesto Individualmente en Artbo con Galería T20 2018; Colección Poyón, El Lobi, aquí estamos Angel + Fernando Poyón, KM0.2 Puerto Rico 2017; Proyecto Poporopo, Guatemala 2016, Galería T20 Murcia España 2012, Fundación Teor Ética San José Costa Rica. 2011; Galería DesPacio en Costa Rica 2010, Arte La Fabrica 2006, Loft 5 2005 y Galería EL Attico 2002 en ciudad de Guatemala. Asimismo, ha expuesto colectivamente en Galería MUY de San Cristóbal de Las Casas Chiapas, México, WhiteBox.art Múnich, Alemania 2020, Galerie im Körnerpark Berlin, Alemania; YLA24 Mexic-Arte Museum, Austin Texas 2019;  Monuments: Poetics of Disclosure, Miami Proyect, Bogotá, Colombia; 2018; LA/LA Guatemala from 33,000 km: Contemporary Art from 1960-Present Museum of Contemporary Art Santa Barbara, California,  Aquí estamos, Km 0.2, Colección Poyón, El Lobi, Puerto Rico, La cuestión central, Banco Mundial, Washington D.C. 2017, I Bienal de Asunción Paraguay, Arco Madrid 2015 Galería T20,  The 9.99/gallery ciudad de Guatemala; Arco Madrid 2013 Galería T20, Selección Colección Sayago & Pardon arte Latinoamericano California USA 2013; ZONA MACO, Galería T20, México, ARCO Madrid España 2012 Galería T20; Scope Jacob Karpio Galería Miami Florida USA, ArtBo Jacob Karpio Galería Bogotá Colombia, entre otras.

Benvenuto Chavajay

Benvenuto Chavajay Ixtetelá es un trabajadora social que usa metáforas y analogías para desempolvar la historia y activar la memoria a través del arte. Ex-cultor por convicción y rebelión, des-pintor por conciencia y desobediencia. Proponente del método Transbisagra. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Rafael Rodríguez Padilla, en Guatemala. Becario de la Universidad Nacional de Costa Rica (2002), becario Cifo de la Fundación Cisneros (2013). Ha participado en diversas exposiciones colectivas en Guatemala y en el exterior. Las exposiciones individuales incluyen: “Sangre de mi Sangre” San Pedro Lago Atitlán, Guatemala 2016; “Diamante Típico” galería Pilar, Sao Paulo, Brasil 2015; “Chunches” en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica 2014.

Ha participado en encuentros académicos, entre ellos: la conferencia “¿Por qué los indígenas hoy?” en el MoMA, Nueva York, 2019; el simposio internacional “Sobre la patria y los apátridas cuando el mundo se inclina hacia la derecha” Atenas, 2017; el Proyecto de Investigación de Reparaciones Simbólicas, Universidad de Harvard, 2017. Su obra se encuentra en las colecciones de: El Museo del Barrio; MOLAA Museo de Arte Latinoamericano de Los Ángeles; Museo de Antioquia, Medellín; MADC Museo de Arte y Diseño Moderno y Contemporáneo, Costa Rica; Colección del Fideicomiso de Pensiones del Artista; Fundación de Arte Cisneros Fontanals; Fundación de Arte Kadist; Museo Reina Sofía; la colección Hugo Quinto y Juan Pablo Lojo. Propuesta de iniciativa de Ley 42-2016 al Congreso de la República de Guatemala, para cambiar el nombre del estadio de fútbol nacional Mateo Flores a “Doroteo Guamuche”. Responsable de la “Bienal del Lago” como evento permanente en el Lago de Atitlán, Guatemala.

Christian Salablanca

(Foto: Sofía De Grenade)

Christian Salablanca (Costa Rica) vive y trabaja en Guararí, Costa Rica. Los procesos de investigación artística de Christian Salablanca Díaz han sido influenciados por mitos y narrativas que surgen de encuentros familiares con objetos e historias atávicas. Para el artista es importante utilizar historias de tradición oral que expliquen diferentes saberes antiguos y simbólicos a través de la narración para desarrollar instalaciones, esculturas, dibujos y performance.

Salablanca recibió una licenciatura en Artes y Comunicación Visual de la Universidad Nacional de Costa Rica, con un Cum Laude en Escultura. Ha participado en exposiciones individuales en Sagrada Mercancía (Santiago, Chile) y Kiosko Galería, ambas en 2019; FLORA ars + natura y Valenzuela Klenner Galería (Bogotá, Colombia), 2018; y el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (San José, Costa Rica), 2014. Ha participado en exposiciones colectivas como Unfinished Camp https://unfinished.com/camp/ proyecto comisionado por Pivo para Unfinished at The Shed, New York City y HEK Basel, Museum Mestni Muzej Ljubljana (Eslovenia), Museo Nacional Thyssen Bornemisza TBA21 (Madrid, España) y la plataforma en línea #ST_AGE TBA21, Museo de Arte Contemporáneo de Panamá (Panamá), Kunsthalle am Hamburger Platz (Berlín, Alemania), Biquini Wax (Ciudad de México, México), TEOR / ética (San José, Costa Rica), Gasworks (Londres, Reino Unido), Sagrada Mercancía (Santiago, Chile), Espacio Odeón (Bogotá, Colombia), Museo de Arte Moderno de Medellín (Medellín, Colombia), Centro Cultural de España (Tegucigalpa, Honduras), Galería T20 (Murcia, España), Centro de Arte Contemporáneo de Quito (Quito, Ecuador) y la Oficina Cultural Oswald de Andrade (São Paulo, Brasil), entre otras sedes. En 2016 expuso en la X Bienal Centroamericana (San José y Puerto Limón, Costa Rica) y en el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (Buenos Aires, Argentina) como parte de BIENALSUR 2019.

Donna Conlon

(Foto: Jenn Alessa)

Donna Conlon (Estados Unidos) vive y trabaja en Panamá desde 1994. En 1991 obtuvo una maestría en biología de la Universidad de Kansas (EE.UU.) y en 2002 una maestría en Rinehart School of Sculpture, Maryland Institute College of Art (Baltimore).

Conlon participó en la Bienal de Venecia (2005). tanto en la exhibición del Arsenale, como en la del Pabellón del Instituto Italo-Latinoamericano. También ha exhibido en Tate, St. Ives (2021); Museo de Arte Carrillo Gil, CDMX (2020); The Met Breuer, NY (2019); La Bienal de Asunción, Paraguay (2015), El Museo del Barrio, NY (2011), Museum of Latin American Art, Long Beach (2011), Prague Contemporary Art Festival (2008); Istanbul Modern Museum (2006), entre otros. Sus colaboraciones con Jonathan Harker han sido exhibidas en Another Space, NY (2020), Kadist, San Francisco (2018), Perez Art Museum, Miami (2014), Solomon R. Guggenheim Museum (2014), y en eventos como Prospect New Orleans (2017), Pacific Standard Time, LA (2017), Bienal do Mercosul, Porto Alegre (2011), Bienal de Pontevedra (2010), y la Bienal de la Habana (2009).

En 2007 recibió una subvención para artistas emergentes de América Latina de la Fundación Cisneros Fontanals (CIFO), y en 2010, una beca de producción de la Fundación Harpo para sus colaboraciones con Harker.

Sus obra individual permanece en colecciones reconocidas, como the Metropolitan Museum of Art y el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, y sus colaboraciones permanecen en Solomon R. Guggenheim Museum, Tate Modern, Kadist Art Foundation y la Colección Patricia Phelps de Cisneros en el Museo de Arte de Lima.

Conlon está representada por DiabloRosso, Panamá, y Espacio Mínimo, Madrid.

 

Guadalupe Maravilla

Guadalupe Maravilla es artista visual transdisciplinario, coreógrafo, y sanador. A los ocho años, Maravilla fue parte de la primera ola de niños indocumentados que llegaron a la frontera de los Estados Unidos en los ochentas, como consecuencia de la Guerra Civil de El Salvador. En 2016, Maravilla se hizo ciudadano estadounidense y adoptó el nombre Guadalupe Maravilla en solidaridad con su padre indocumentado, que usa el nombre Maravilla como apellido. Como reconocimiento a su pasado inmigratorio, Maravilla basa su práctica en los contextos históricos y contemporáneos de cultura inmigrante, particularmente aquellos que pertenecen a comunidades Latinx.

Maravilla en la actualidad vive en Brooklyn, Nueva York. Sus obras están en las colecciones permanentes del Museum of Modern Art, The Guggenheim Museum, el Whitney Museum of American Art, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; y el Institute of Contemporary Art, Miami. Adicionalmente, Maravilla ha hecho performances y ha presentado obras en el Whitney Museum of American Art, MoMA, Metropolitan Museum of Art, Institute of Contemporary Art Miami, Queens Museum, Bronx Museum of the Arts, y muchos más.

Premios y becas incluyen; El 2021 Joan Mitchell Fellowship, LatinX Fellowship 2021, Lise Wilhelmsen Art award 2021, Guggenheim Foundation Fellowship 2019, Soros Fellowship: Art Migration and Public Space 2019, Map fund 2019, Creative Capital Grant 2016, y Franklin Furnace 2018. Residencias incluyen LMCC Workspace, SOMA, Skowhegan School of Painting and Sculpture y Drawing Center Open Sessions.

Héctor Burke

Héctor Burke vive y trabaja en San José, Costa Rica.  Ha realizado exposiciones colectivas y personales desde 1978 y es considerado como uno de los artistas representativos y precursores del arte conceptual en el medio artístico costarricense, ha sido figura-personaje en el arte local ocasionando una serie de rupturas y aperturas hacia otra manera de hacer arte.

Su aporte didáctico se ha manifestado en la influencia que ha ejercido en las nuevas generaciones de artistas a partir de los años 80’s.

Con variaciones de técnica, formato y carácter, las obras de Héctor Burke abarcan desde lo irónico a lo lírico, y desde lo sensual a lo expresivo.  Su amplia producción comprende de igual forma la pintura, el dibujo, el grabado como el objeto, el collage o el papel hecho a mano. A veces, incluso, parece complacido en la pobreza de los materiales de los que puede derivar sobrada intensidad.

En la obra de Burke, las manchas y trazos suelen ir acompañados de textos literarios, que el artista incluye en algún rincón de sus obras o apenas los sugiere a través de los títulos.

Lucía Madriz

Lucía Madriz estudió Pintura en la Universidad de Costa Rica (2000) y recibió la Beca para artistas extranjeros del Servicio de Intercambio Académico Alemán DAAD para estudiar en la Hochschule für Gestaltung en Karlsruhe, Alemania.

Su trabajo ha sido expuesto en el Palais de Tokio en París, el Museum of Arts and Design MAD y la Pratt Manhattan Gallery, ambos en Nueva York, y en los Centros Culturales de España en Miami, México y Centroamérica. Ha participado en diferentes bienales entre ellas la X Bienal Centroamericana en San José, Costa Rica (2016), la I Bienal de Cartagena (2014), en el Pabellón Latinoamericano IILA de la 55ava Bienal de Venecia (2013); 8va Bienal do Mercosul, Porto Alegre, Brasil (2011); Antropoceno, 3ra Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, Argentina (2011); U-Trópicos XXXI Bienal de Pontevedra, España (2010); X Bienal de La Habana, Cuba (2009), y Turbulence, 3rd Auckland Triennial en Nueva Zelanda (2004).

Algunas exposiciones colectivas que destacan son Después del Edén, en colaboración con el Centro Humboldt para la gestión ambiental, Managua, Nicaragua (2021); Utopia-MINGA, Arts Collaboratory y Fundación TEOR/éTica, San José, Costa Rica (2015-6) y El Tesoro de Lima: Una exposición enterrada de Thyssen Bornemisza Art Contemporary Academy realizada en la Isla del Coco, Costa Rica (2014).

Algunas de sus exposiciones individuales han sido Melífera en Finca Elefante, San José, Costa Rica (2019); Killing Fields curada por Berta Sichel en Galería Freijo, Madrid (2018); Impulso, C.R.A.C y Despacio, San José, Costa Rica (2017); Child of T(h)ree, Despacio (2014); Artista Invitada, Despacio en Arte BA, Argentina (2013); Naturalmente, Centro Cultural de España, San José, Costa Rica (2011); Ties, Galerie Borchardt en Hamburgo, Alemania (2010); Axis en el Museo de Arte y Diseño Contempóraneo MADC (2008) y Extroversión en la Fundación TEOR/éTica (2007); ambas en San José, Costa Rica.

Natalia Domínguez

Natalia Domínguez (El Salvador) estudió licenciatura en artes visuales y multimedia en la Escuela Nacional de pintura, escultura y grabado “La Esmeralda” en Ciudad de México. Actualmente inscrita en Diplomado en Investigación Crítica y Transdisciplinar, dictado por Global Center for Advance Studies GCAS-LA 2020 -2021. Participa en la convocatoria Residencias Artísticas Regionales de Producción Curada en Artes Visuales y Nuevos Medios, co-organizada con CCE de CR.

Dirige ENSAYO Y ERROR, espacio de residencias regionales. Su trabajo ha sido mostrado individualmente en Museo Marte; Sala Nacional de Exposiciones Salarrué; Área, Lugar de Proyectos en Puerto Rico, entre otras. Ha participado en muestras colectivas en Centroamérica, Taiwán, España, México, Cuba y Estados Unidos.

Su obra ha sido adquirida por Museo Reina Sofía, España; MOLAA Museo de Arte Latinoamericano, Long Beach, USA; y colecciones privadas dentro y fuera de El Salvador. Su trabajo transita entre lo biográfico y tradiciones salvadoreñas, con las que representa metáforas sobre problemáticas humanas. Su trabajo es una búsqueda por sanar y transformar la realidad en una fantasía irónica.

Patricia Belli

Patricia Belli (Managua, Nicaragua) involucra en su trabajo los cuerpos de los espectadores para proponer reflexiones vinculadas a la subjetividad, la unión de los opuestos, el deseo, el miedo o la compasión.

Master en Bellas Artes por el Instituto de Arte de San Francisco, 2001, ese año fundó el Espacio para la Investigación y Reflexión Artística, EspIRA, para la formación sensible y crítica de artistas, que por 20 años influyó de modo decisivo en el devenir del arte centroamericano.

Las obras de Belli han sido incluidas en exposiciones de relevancia histórica para la región centroamericana como Mesótica 2 (1996-7), Políticas de la Diferencia (2001-2) y Estrecho Dudoso (2006). Ha participado además en las bienales Centroamérica y El Caribe (1994 y 2001), Lima (1997), Cuenca (2011), Irlanda (2018), Berlín (2018) y FEMSA, México (2020-21) así como las bienales nicaragüenses y centroamericanas. Su muestra antológica, a cargo del curador Miguel López, recorrió San José, Managua y Ciudad Guatemala entre el 2016 y el 2017.

En el 2018 fue invitada a realizar una residencia en SAPS La Tallera, México y en el 2019 obtuvo la beca y residencia Pernod Ricard en Villa Vassilieff, Francia, tiempo que dedicó a la producción de su última exposición personal “Ser sin serlo”. Cuatro de sus trabajos textiles están actualmente en exhibición en el área “Materials and Objects” de Tate Modern, Londres.

Priscilla Monge

Priscilla Monge (Costa Rica) artista conceptual que marca pauta en el desarrollo del conceptualismo en toda Centroamérica.  Su obra empieza a divulgarse en los años 90 en ferias y bienales como Valparaíso y Cuenca hasta dar el salto a La Bienal de Venecia, Bienal de Sao Paulo, Bienal de Pontevedra. Bienal de La Habana, Bienal de Liverpool y Bienal EVA en Irlanda. Incluida en hitos curatoriales como Versiones del Sur/Pervirtiendo el minimalismo en el Reina Sofía, El Viaje Real en MOMA PS1 y Global Feminism en el Brooklyn Museum. Es la segunda artista no Mexicana en tener una exhibición individual en el Museo Rufino Tamayo.

Despierta la atención de especialistas que escriben sobre ella para Art in America (USA), Revista Lapiz (España), Polyester (México), Frame (Austria), Bomb (NYC) entre otras publicaciones, además de portadas en Art Nexus y Atlántica. La lista de autores incluye a Gerardo Mosquera, Harald Szeeman, José Roca, Hans Herzog, y Cuahtemoc Medina.

Está reseñada en selecciones como Fresh Cream, Políticas de la Diferencia, Imagen-Palabra y 100 Artistas Latinoamericanos. Algunas de las colecciones públicas que la incluyen son: Tate Gallery London, Museo Reina Sofia, Museum of Fine Arts Taipei y Centro de Arte Contemporáneo de Sevilla.

Rolando Castellón

Además de su extraordinario trabajo como artista, Rolando Castellón (Nicaragua, 1937) ha impulsado y participado en importantes iniciativas independientes e institucionales desde finales de los años sesenta. Castellón fue de los fundadores y el primer director de Galería de la Raza, en San Francisco, entre 1969 y 1970, que desde su fundación implicó un proyecto comunitario cercano a las luchas de ese momento y al movimiento por los derechos civiles. Por sus relaciones con comunidades latinas, chicanas, asiáticas y afroamericanas, en 1972 el San Francisco Museum of Modern Art lo invitó a encabezar un nuevo programa: el M.I.X. (Museum Intercommunity Exchange), que dirigió durante tres años hasta que su enfoque devino transversal en la programación y le permitió continuar como curador del SFMoMA hasta 1981. Castellón es también el editor de Cenizas, una extraordinaria revista de arte y literatura que él mismo edita, maqueta, produce y distribuye desde 1979 hasta hoy. El itinerario de Rolando Castellón como curador y gestor incluye la dirección, entre 1983 y 1992, de la Mary Porter Sesnon Art Gallery, de la Universidad de California, en Santa Cruz. Posteriormente movió su residencia a San José de Costa Rica y de 1994 a 1999 fue Curador Jefe en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo. Junto a Virginia Pérez-Ratton, directora de la institución en este mismo período, compartieron la puesta en marcha de un importante programa de investigación y visibilización internacional del arte centroamericano. Rolando Castellón no cesa su actividad como artista, curador, editor y activador de numerosos proyectos.

Simón Vega

Crea dibujos, objetos, instalaciones esculturales y happenings inspirados en mercados populares, en la arquitectura informal y en los puestos de venta ambulantes que se encuentran en las calles y playas de Centro América. Estos trabajos, ensamblados con materiales y métodos de construcción usados en la arquitectura informal, son parodias de pirámides mesoamericanas, edificios Modernistas, sistemas de vigilancia urbanos y sofisticadas y futuristas cápsulas espaciales desarrolladas por la NASA Y el Programa Espacial Soviético durante la ‘Carrera Espacial’, creando una irónica y humorística fusión entre primer y tercer mundo, a la vez que comenta acerca de los efectos de la Guerra Fría en El Salvador contemporáneo. Nacido en San Salvador, El Salvador, Simón Vega obtuvo una Licenciatura en Artes Plásticas por la Universidad Veracruzana en México (2000) y una Maestría en Teoría y Práctica de las Artes Contemporáneas por la Universidad Complutense de Madrid (2006). Ha presentado su trabajo extensamente en Europa, Estados Unidos, Centro y Sud America y Japón, incluyendo la 55a Bienal de Venecia en Italia (2013), la 9a Bienal de la Habana, Cuba (2006), en el festival musical Coachella (2018) en Indio, California, en el Centre Pompidou, París (2019), en el Bronx Museum, NY (2019) y recientemente en la Trienal de Oku Noto, Japón (2021). Vive en La Libertad, El Salvador.


BIOGRAFÍAS DE CURADORXS

Ricardo Ramón 

El doctor historiador, crítico de arte, curador y gestor cultural español   Ricardo Ramon Jarne, lleva 23 años en América dirigiendo los centros culturales de España en República Dominicana, Perú, Argentina, Uruguay y Costa Rica, realizando numerosos proyectos culturales vinculados a la Cooperación Española y a la gestión de la cultura como arma fundamental para el desarrollo. Sus propuestas tienen un marcado cariz político y social. Es defensor a ultranza de la cultura como elemento fundamental de integración, de fomento de las libertades, de igualdad y equidad, de compromiso ético. Es doctor en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, ha curado numerosas exposiciones internacionales en España y América.  Ha trabajado para numerosas instituciones públicas y privadas, dictado conferencias, seminarios y tiene una larga e interesante bibliografía en historia del arte, cooperación, gestión y crítica.  Fue comisario general del proyecto Soledades Urbanas, para el Ayuntamiento de Madrid. Su trabajo es interdisciplinar e interinstitucional, siempre trabaja con socios de diferentes ámbitos que aportan soluciones y propuestas imaginativas y vanguardistas. Es reconocido internacionalmente como un gestor atípico, utópico y radical.

TAMARA DÍAZ-BRINGAS

Foto: Adrian sotos

Tamara Díaz Bringas es investigadora y curadora. Actualmente trabaja como coordinadora general de actividades públicas en el Museo Reina Sofía. Ha sido curadora general de la X Bienal Centroamericana, 2016. En 1996 se licenció en Historia del Arte por la Universidad de La Habana. Graduada en 2009 del Programa de Estudios Independientes del MACBA, Barcelona. Entre 1999 y 2009 se desempeñó como curadora adjunta y coordinadora editorial en TEOR/éTica, San José. Entre sus curadurías se cuentan: Vida Gallega, exposición de Carme Nogueira en CentroCentro, Madrid, 2018; Playgrounds. Reinventar la plaza (junto a Manuel J. Borja-Villel y Teresa Velázquez), Museo Reina Sofía, Madrid, 2014; 31 Bienal de Pontevedra (junto a Santiago Olmo), Galicia, 2010; Estrecho Dudoso (junto a Virginia Pérez-Ratton), TEOR/éTica, San José, 2006. TEOR/éTica ha publicado una selección de sus ensayos en el libro Crítica próxima (2016), el primer volumen de la serie “Escrituras Locales: Posiciones Críticas desde Centroamérica, el Caribe y sus Diásporas”.

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