Entramados de la memoria visual desde Honduras

Retomar las ficciones sociales del pasado se ha convertido en un lugar común dentro de los imaginarios y las prácticas artísticas de la contemporaneidad latinoamericana. Esta vuelta sobre el tiempo no implica una mirada nostálgica sino más bien una confrontación directa con las narrativas históricas que fueron proyectadas desde una modernidad fallida y que siguen operando en las maneras que imaginamos nuestras realidades.

En este sentido, diversas manifestaciones del arte contemporáneo hondureño nos han permitido reconocer en las imágenes –físicas y mentales– que nos aglutinaron como nación, una fuerte agencia sobre la cultura visual actual desde donde concebimos la hondureñidad. Esta visualidad, ha sido planteada como una suma de realidades edulcoradas y estereotipos que configuran una suerte de “paraíso tropical” que ocultan la fragmentación, la violencia y la exclusión de este país que arriba a los doscientos años de independencia en medio de crisis institucionales e incertidumbre.

La presente muestra ha implicado un ejercicio de desarticulación temporal para organizar una estructura visual en la que el pasado y el presente se encuentran compactados. Retomar, deconstruir y reflexionar sobre las imágenes pretéritas y contemporáneas de la nación desde los marcos caóticos del presente hondureño, fue el principal motor creativo de las y los artistas que participan en esta muestra nacional. El resultado de este proceso ha sido un crudo y polifónico relato en imágenes que intenta reconstruir las memorias colectivas, colocando el acento sobre las realidades que no pudieron ser y las que no deben seguirse repitiendo.

 Más allá de constituir núcleos curatoriales específicos, las once piezas generadas para esta muestra coexisten interconectadas a partir de actos performativos como las iconofagias –imágenes que devoran imágenes– y la posibilidad de crear entramados alternativos de la memoria visual. Estas miradas, nos obligan a repensar las nociones de la corporeidad y lo étnico, la territorialidad y las ficciones históricas, que buscan resanar y visibilizar las memorias dolorosas que han marcado el devenir histórico de nuestro país y nuestra región.

El pasado adelante, es un proyecto expositivo de la Red de Centros Culturales de España en Centroamérica dirigido y comisariado por Tamara Díaz Bringas y Ricardo Ramón Jarne, que se desarrolla en el contexto de las celebraciones del bicentenario de las independencias de los países centroamericanos. Los Centros Culturales de España en Guatemala, El Salvador, Costa Rica, Honduras, Nicaragua y Panamá, junto con Casa de América en Madrid, exhiben de forma simultánea esta exposición que presenta un panorama del arte contemporáneo centroamericano y que explora las diversas temporalidades que conforman el presente de la región.

Julio Méndez Lanza, curador de la exposición

Artistas: Brenda Raudales | César Chinchilla | Daniel «Cuyo» Valladares | Jasson Cerrato | Johanna Montero Matamoros | Medardo Cardona Landa | Melissa Pastrana | Scarlett Rovelaz

Panorámicas de la sala de exposición

Brenda Raudales

Brenda Raudales. 2021. Fantasy identity. Escultura con diversos medios: azulejos sublimados y estructura de madera. 165 x 105 x 86 cm.

Es una obra interactiva y lúdica. Desarrolla un discurso estético que cuestiona los valores del imaginario nacional y la fragilidad de la identidad hondureña, mediante una narrativa visual que confronta a través de la ironía, el pasado y la visión de país construida en la primera mitad del siglo XX, versus la realidad de nuestro contexto actual. La pieza, reinterpreta la obra “Tegucigalpa” (1948) del artista Arturo López Rodezno, mediante un ejercicio gráfico sobre la técnica cerámica, que construye una nueva mirada del momento social que devora la nación.

―Brenda Raudales

César Chinchilla

César Chinchilla. 2021. Honduras Inc. Intervención mural sobre la Cuarta Pared. 4 x 10 m.

El caparazón de solemnidad con el que los estados nacionales han envuelto a los símbolos patrios, les ha permitido establecer un único discurso de nación, un manual de marca corporativa estatal que solo puede ser modificado al antojo y conveniencia de las elites. Mediante estas piezas, se pretende generar una discusión sobre la posible maleabilidad de la identidad nacional impuesta a través de la historia. A través de un ejercicio que trastoca e “irrespeta” la solemnidad de los símbolos, es posible evidenciar la forma en que se ha construido una imagen de país empacada y lista para llevar, un fast food cultural que se adapta rápidamente según las necesidades del consumidor.

―César Chinchilla

César Chinchilla. 2021. El comercio. Acrílico sobre tela. 150 x 150 cm

Las piezas abordan la nostalgia desde lo no-escrito en la historia de los últimos doscientos años: la diversidad, la racialidad, el aire de libertad que al día de hoy, a pesar de que se ha caminado un poco el trecho, no se respira. Constantemente regresamos al dolor; cuán humana es la nostalgia. Sin embargo, para muchas existencias, sentirla es un ejercicio meramente de la imaginación, los besos, el roce, la desnudez.

―Jasson Cerrato

Daniel «Cuyo» Valladares y Melissa Pastrana

Melissa Pastrana y Daniel Valladares. 2019-2021. Patria, Pater, Patriarcado.  Video performance e instalación con cáñamo tejido en crochet, dibujo sobre papel y papiroflexia. 3,5 x 1,7 m.

A través del video performance y la instalación, se confronta con una trama histórica y una identidad nacional patriarcal que se construyó desde 1821 hasta la actualidad. Simbólicamente, la pieza se realizó en septiembre, mes dedicado a la celebración de la independencia y a los “héroes” cívicos que representan los ideales de las elites racistas, machistas y hetero-normadas que han negado espacios de representación a los sectores subalternos.

―Melissa Pastrana y Daniel Valladares

Jasson Cerrato

Jasson Cerrato. 2019-2021. Posnostalgia. Fotomontaje digital impreso sobre vinil. Colaboradores: Kevin Espinal y Harold Claros. 106 x 185 m

Jasson Cerrato. 2019-2021. Prenostalgia. Fotomontaje digital impreso sobre vinil. Colaboradores: Kevin Espinal y Harold Claros. 140 x 122 cm 

Johanna Montero Matamoros

Johanna Montero Matamoros. 2019-2021. Los despojados. Montaje de xilografía sobre papel, petate de fibra natural, alambre de amarre y tierra del bordo de Rio Blanco, San Pedro Sula. 180 x 60 cm.

Johanna Montero Matamoros. 2019-2021. La calamidad amamantando. Montaje de xilografía sobre papel, petate de fibra natural, alambre de amarre y ropa con madre con niño de la calle. 180 x 60 cm.

Johanna Montero Matamoros. 2019-2021. Los desplazados. Montaje de xilografía sobre papel, petate de fibra natural, alambre de amarre y zapatos de madre migrante. 180 x 60 cm.

Con mi trabajo pretendo mostrar reflejos de temáticas que van desde la ternura, la esperanza y la identidad, pasando por esos temas que se ocultan y que generan dolor, tristeza, fragmentación y hasta disimulo. La calamidad amamantando, es el reflejo de una sociedad víctima de todos los tipos de abusos posibles y que se ve obligada a darle su vida, a pesar de sus padecimientos, a sus hijos. Los despojados, habla de las personas que son obligadas a dejar sus tierras, que son víctimas de la corrupción y la codicia. Los desplazados, vuelve los ojos sobre las caravanas de los miles de migrantes que no tienen nacionalidad, su bandera es la misma: la ausencia, el abandono, el exilio, la lucha, el amor y la promesa de sueño por el futuro, cualquiera que este sea.

―Johanna Montero Matamoros

Medardo Cardona Landa

Medardo Cardona. 2021. Bendiga Dios la pródiga tierra en que nací… Instalación con diversos medios: plataformas intervenidas con sutura y cuerina roja, cáñamo, cerámica y tierra. 4 x 2 x 1 m.

Esta pieza forma parte de la serie “Reconfiguraciones territoriales”, proyecto que indaga las relaciones que se tejen en función al arte y al territorio en espacios de dilatación geopolítica. La obra emplea mapas cartográficos en su dimensión gráfica y simbólica. El título hace referencia de forma irónica a la “Oración del hondureño”, escrita a principios del siglo XX por el intelectual Froylán Turcios, donde reflexiona sobre la importancia del territorio, el progreso y la soberanía de la nación; esbozando algunas problemáticas que se mantienen vigentes y en constante tensión dentro de la región centroamericana.

―Medardo Cardona

Scarlett Rovelaz

Scarlett Rovelaz. 2021. El Tributo. Ensamblaje de acrílico, madera, metal e impresión en acetato del registro fotográfico de Iveth González. 236 x 112 x 63 cm.

Pensada como un altar escultórico, esta pieza ha sido creada con el propósito de rendir tributo a la obra-exiliada El Comercio de Mario Zamora Alcántara.  A su vez, rememora aquellas obras, artistas e historias que por su real y potente discurso han sido excluidas de las instituciones gubernamentales, los espacios culturales y los discursos oficiales del país.

― Scarlett Rovelaz

Dirección: José Carlos Balaguer Paredes

Coordinación: Adriana Malespín

Curaduría y museografía: Julio Méndez y Adriana Malespín

Montaje: Edwin Vargas y Jairo Contreras

Diseño: Erick Zelaya

Comunicaciones: Junior Álvarez | MediaLAB

BIOGRAFÍA DE ARTISTAS

Brenda Raudales

Artista visual y docente; posee estudios de Maestría en Artes visuales y Educación por la Artes de la Universidad de Granada, UGR España. Ha formado parte de exposiciones colectivas a nivel nacional, en las que destaca «Ready Made Method» en la IV Muestra Internacional de Videonarración A/R/ Tográfica en el 2018.

La propuesta creativa de Raudales se ha visto motivada por el estudio y análisis de las obras del pasado, estableciendo diálogos entre el arte contemporáneo y el patrimonio universal; de esta forma, busca diluir los lÍmites conceptuales y temporales que entrecruzan estos dos mundos, ofreciendo lecturas integradoras y mediadoras, a través de estrategias creativas como la reinterpretación o la resignificación. Estas apropiaciones le han servido para visibilizar aquellas ideas, objetos y personajes que forman parte de la historia común y que contienen elementos coincidentes de identidad y memoria ayuden a releer el pasado y apreciar con ojos actuales el tiempo indefinido. La noción de transitividad en el tiempo y el espacio se vuelven un eje articulador de las obras de esta artista hondureña.

En la actualidad forma parte del colectivo artístico Tábano y labora en el Instituto Hondureño de Antropología e Historia, coordinando procesos relacionados en la investigación y difusión del patrimonio cultural.

César Chinchilla

Artista visual y creativo publicitario, seleccionado en la cuarta y quinta Bienales de Honduras, así como en la octava y la décima Bienales del Istmo Centroamericano; su obra ha sido expuesta a nivel nacional e internacional tanto de forma colectiva como individual. En el año 2010, obtuvo el primer lugar en Teen Night en el MOCA Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, EE.UU.

Chinchilla utiliza la parodia como un vehículo para la crítica de los contextos socioculturales hondureños. Los principales intereses dentro de su producción visual, parten del juego entre las formas, la carga histórica y el humor para desarticular los convencionalismos sociales. En este sentido, su obra genera un ejercicio de apropiación de símbolos e íconos con fuertes cargas culturales, sociales y temporales, inscritas dentro de narrativas tradicionales, hegemónicas o estereotipadas. Su ejercicio creativo pretende desarticular los signos, trastocar el mensaje y generar shock, desmontar contextos para resignificar, potenciar y parodiar los signos del génesis de las identidades visuales nacionales.

Dentro de sus exposiciones individuales destacan «Códigos del pasado» (2010) para la Alianza Francesa de Tegucigalpa e «#Imagen Honduras» (2017) para el Centro Cultural de España en Tegucigalpa. Sus piezas forman parte del Proyecto «Red Glare» en la Colección Fundación Ortiz Gurdián.

Daniel «Cuyo» Valladares

Artista visual, historiador, docente universitario e ilustrador para el periódico digital «Expediente Publico (NIC)». Desde 2006 ha participado en diversas exposiciones colectivas a nivel nacional y ha sido seleccionado en las bienales del Instituto Hondureño de Cultura Interamericana y del Centro de Arte y Cultura de la UNAH.

En su producción, es posible detectar el uso de diversas plataformas y prácticas artísticas. En este sentido, Valladares transita entre el dibujo y la experimentación con los medios digitales y el performance, cargando las imágenes de una fuerte crítica hacia los entornos políticos y el «ethos» de la sociedad hondureña.  A partir de dibujos, ilustraciones, afiches, instalación, video y performance, Cuyo aborda temáticas relacionadas con la corrupción, la migración, el cambio climático, la desigualdad social e interioriza en las psiquis de una sociedad tan convulsa como la hondureña.

El uso de las redes sociales como medio de difusión masiva ha generado un valor agregado a la obra de Daniel Valladares, pues su trabajo artístico se alimenta de la realidad cotidiana, creando así retratos honestos y transparentes basados en la crudeza de nuestra realidad. Actualmente forma parte del Colectivo artístico Tábano con el que ha desarrollado procesos de gestión cultural, creación y exhibición.

Jasson Cerrato 

Ilustrador, fotógrafo y ciberactivista diverso; cuenta con una licenciatura en Letras con orientación en Literatura por la Universidad Nacional Autónoma de Honduras. Su experiencia profesional ha estado conectada con la gestión artístico-cultural a través de su trabajo en espacios como el Centro de Arte y Cultura de la UNAH y el Museo para la Identidad Nacional. Además, se desempeña como docente universitario en el área de español en los sectores público y privado.

Las poéticas visuales de Jasson parten del cuerpo como metáfora y elemento subversivo para deconstruir las miradas colonialistas sobre el género, la clase y la etnicidad que se ven reflejadas a través del conservadurismo y el sistema heteropatriarcal en el que estamos insertos. Sus ilustraciones y fotografías están vinculadas al homoerotismo con el propósito de normalizar y visibilizar la pluralidad de cuerpos, así como otras formas de sexualidad más allá de la normativa. En su proceso creativo, Cerrato se acompaña de reflexiones desde y sobre las diversidades a partir de un enfoque interseccional, reconociendo las potencialidades del lenguaje para generar realidades alternativas incluyentes.

Su trabajo como artista ha sido publicado en diferentes medios digitales tanto nacionales como internacionales; actualmente colabora como podcáster en organizaciones en pro de los derechos de las personas diversas.

Johanna Montero Matamoros

Artista gráfica, egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes de Honduras; ha trabajado como productora, comunicadora y gestora cultural en proyectos y centros culturales, también como redactora y diseñadora gráfica en agencias publicitarias del país. Ha expuesto a nivel nacional y ha representado al país en diversos eventos entre los que destacan la representación individual en la vigesimoquinta Bienal Internacional de Arte de São Paulo y la participación colectiva en Bid12, Madrid y la séptima Bienal Internacional de Cuenca.

La fuerza estética presente en la obra de Montero Matamoros explora las estructuras y redes que dan vida y movilidad al cuerpo y su relación entre lo urbano y lo rural. A través del recurso memorial, esta artista nos confronta con las nostalgias del tiempo, el caos, las pertenencias, las identidades y las ausencias. Sus piezas –que parten de la gráfica e integran otros medios– invitan a recrear el cuerpo que escribe y el cuerpo que lee, el cuerpo como escritura, como palabra, como huella, para recuperar su legado y entenderlo como sujeto de análisis y reflejo del tiempo, convirtiendo al ser interior en resonancia colectiva.

Recientemente ha participado en el Laboratorio Gráfico Latinoamericano de la Red Latinoamericana de Grabado y realizó la producción de la exhibición individual de grabados «Crónicas del tiempo – Del dolor al arrullo» (2019-2020).

Medardo Cardona Landa

Artista visual, docente universitario e investigador. Es Máster en Artes Visuales y Educación por la Universidad de Granada (UGR) y se encuentra cursando estudios de en el Programa Internacional de Doctorado en Artes y Educación de la Facultad de Bellas Artes de la UGR. Su producción artística ha sido exhibida en exposiciones individuales y colectivas a nivel local, regional e internacional; participando además como conferencista en diversos espacios académicos de Honduras, El Salvador, Costa Rica y España.

El polivalente lenguaje artístico de Medardo Cardona parte su experimentación con diversas disciplinas dentro de las artes visuales, lo cual le ha permitido recomponer los materiales orgánicos e inorgánicos mediante múltiples recursos plásticos y poéticos. A través de diferentes medios, este artista nos acerca a cuerpos y tejidos diseccionados que exhiben las problemáticas y las situaciones del tiempo presente, mediante una estética diáfana altamente sensible, que genera consciencia de la ubicuidad espacial de la memoria y la cicatriz.

La obra de Cardona Landa pertenece a varias colecciones públicas y privadas, entre las que destacan la Colección Fundación Rozas Botrán, la Colección del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica, la Colección Centro de Arte y Cultura de la UNAH y la Colección Galería de Arte Cruz Diez en Estados Unidos de América.

Melissa Pastrana

Pedagoga, graduada de la Universidad Nacional Autónoma de Honduras, estudiante de lengua de Señas (LESHO III); con experiencia en educación a nivel básico, así como en la gestión cultural y el manejo de la prevención en contingencias.

La participación de Pastrana dentro del arte contemporáneo hondureño ha sido a partir de colaboraciones artísticas, que se han visto potenciadas por su experiencia en procesos de enseñanza-aprendizaje, así como en los entornos y memorias familiares; lo cual le ha permitido generar posturas críticas a partir de acciones corpóreas y artesanales en las que discute sobre las miradas hegemónicas dentro de la educación y los roles de género. Sus colaboraciones van desde la inclusión de tejido hasta el desarrollo de actos performativos en piezas como Debo obedecer (2015), Tributo (2016) y Centroamérica séptimo círculo (2019).

El tejido del crochet ha sido parte primordial de la vida cotidiana y el quehacer artístico de Melissa, pues considera que a través de esta práctica es posible generar obras en permanente movimiento y evolución; esto le ha permitido constituir una perspectiva del arte en la que confluyen lo antiguo y lo contemporáneo. Actualmente, su pasión por el tejido le ha llevado a incursionar en el emprendimiento con “amigurumis”.

Scarlett Rovelaz

Artista visual, egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes de Honduras; ha ejercido como docente de dibujo, cerámica, escultura y expresión gráfica infantil en diversas instituciones hondureñas orientadas a la enseñanza de las artes. Desde 2009, ha participado en diversos eventos artísticos, exposiciones colectivas y simposios de escultura en piedra. 

La obra de esta artista hondureña se centra en las contaminaciones humanas y la explotación desconsiderada de los recursos naturales, indagado sobre los medios de producción industrial, el sistema capitalista y el impacto de estos sobre todas las formas de vida. Debido a lo complejo de las vivencias y contextos de la contemporaneidad, la producción artística de Rovelaz ha transitado desde una multidisciplinariedad que combina las técnicas plásticas tradicionales, la instalación, el performance, así como el uso de materiales heterodoxos para el arte. La constante búsqueda experimental de Scarlett, la ha llevado a desarrollar proyectos colaborativos que entretejen distintas disciplinas y que además se adentran en las dinámicas y prácticas de la cocreación.

Rovelaz es acreedora de una mención de honor en la Bienal de Escultura y Cerámica (2019) del Instituto Hondureño de Cultura Interamericana, además del Primer Premio en Categoría tridimensional en la V Bienal de Artes Visuales del Centro de Arte y Cultura de la UNAH.

BIOGRAFÍA DE CURADORXS

Julio Méndez Lanza

Historiador, profesor e investigador de la Universidad Nacional Autónoma de Honduras en el Valle de Sula; cuenta con una maestría en Estética y Arte por la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. También, realizó estudios de Arte Latinoamericano en la Universidad Nacional de San Martín en Buenos Aires. 

Las exploraciones históricas de Julio Méndez priorizan las reflexiones teóricas sobre los estatutos y agencias de la imagen en la construcción de conocimientos, memorias y ficciones sociales del tiempo. Desde una mirada crítica y decolonial, aborda los tránsitos y apropiaciones locales de las imágenes –en distintas temporalidades históricas– buscando establecer las redes icónicas y las reflexiones estéticas que sitúan la producción artística del país dentro de una compleja geografía cultural. En su trabajo investigativo –que ha sido publicado en diferentes revistas nacionales– ha revisado los procesos de construcción de identidades visuales durante el periodo colonial y la primera mitad del siglo XX.

Como curador, ha colaborado en el desarrollo de exposiciones etnográficas y sobre arte prehispánico y moderno en el Museo de Antropología e Historia de San Pedro Sula así como en el Centro de Arte y Cultura de la UNAH. Actualmente, ha desarrollado procesos de investigación del arte contemporáneo hondureño a través de su participación en el Colectivo Artístico Tábano.